Veranstaltungsarchiv

Chicken & Rice stehen für handgemachte Musik,
Good Time Music. Songs aus den 1920er Jahren, wo man auch schon mal mitsingen kann.
Hier haben sich 2 Musiker zusammengefunden,die sich schon lange kennen und in derselben Musikrichtung unterwegs sind.
Der Aßlinger Gitarrist und Sänger Peter Henne alias Chicken Pete ist versiert in allen Stilrichtungen des traditionellen Blues in Amerika der 1920er bis 1940er Jahre. Mit viel Liebe zum Detail spielt er erdigen Down Home Blues sowie auch Ragtime Nummern im Piedmont Stil von seinen bekanntsten Vertretern:
Big Bill Broonzy, Blind Boy Fuller und Gary Davis.
Ebenso beherrscht er die mitreißenden Songs der Jugbands.
Eine Good Time Music, die im New Orleans der 1920er Jahre von
afroamerikanischen Musikern zum Tanz gespielt wurde.
Die Memphis Jug Band und die Mississippi Sheiks waren die
bekanntesten Band dieser Zeit.

Lassen Sie sich von den abwechslungsreichen und humorvollen
Geschichten aus dieser Zeit inspirieren.Erleben Sie die ansteckende
Kraft und Intensität dieser Musik.
Der Thüringer Heiko Reißmann alias Rice ergänzt das Programm mit
der Bluesharp (Mundharmonika).
Das reicht ihm aber nicht. So setzt er mit Kazoo, Maultrommel, Waschbrett, Bones, Sirenenheuler und singender Säge noch einen oben drauf. Natürlich nicht alles zur gleichen Zeit,sondern gut verteilt auf den ganzen Abend.was das ganze aufgelockert und zum Hinschauen und Zuhören einlädt.
Erste Erfahrungen mit der Bluesharp sammelte er vor 20 Jahren auf
Bluessessions in München.

Chicken & Rice sind auf den Kleinkunstbühnen der Stadt und auch im Umland zu erleben. Wir waren schon bei der Gans am Wasser, Gans woanders, Bucentaur Kulurcafe, in der Ausbaubar im Neuen Theater Burgau, im Haus der Eigenarbeit München, bei Kulturbunt Neuperlach und in der Cafe Bar Herzog in Zorneding.

Geschichten und Lieder von Wasserfrauen und ihren Männern

Manchmal, da steigt ein Seeweib aus dem tiefen Wasser herauf und zwängt sich in einen Menschenkörper, um ihrem Liebsten nah zu sein. Und manchmal ist es gefährlich für einen Mann, in den See zu springen, denn wer weiß, wer dort lauert... Eine schöne Meerfrau oder eine Krake?

Vieles also kann geschehen, wenn das Wasser rauscht und schwillt.
Gabi Altenbach und Ines Honsel erzählen und singen von unheimlichen Wasserweibern, verführerischen Nixen und der Macht der Liebe.
Begleitet werden sie dabei von Karin Füssel am Akkordeon und
Michaila Kühnemann / Die Kühnemann gibt dem Programm mit ein paar ihrer eigenen Songs noch eine besondere Würze.

Ines Honsel
Gabi Altenbach
Die Kühnemann
Karin Füssel

Simone White
Die in Hawaii geborene Singer-Songwriterin Simone White hat acht Alben veröffentlicht, die von einfachem Akustik-Folk über Americana bis hin zu elektronischem Indie reichen. Nach einer zehnjährigen Tourpause kehrt sie nach Europa zurück, um einige ihrer alten Hits sowie Songs aus ihrem aktuellen Album „Letter to the Last Generation“ und neue Songs aus einem
bald erscheinenden Album zu spielen.

You may remember her from her records on the U.K. Honest Jon's label: I am the Man (2007) , Yakiimo (2009) and Silver Silver (2012) all critically acclaimed by. Der Spiegel among others (MOJO, Uncut). German Rolling Stone made a five page focus piece on her in 2009 calling her "one of the really great American songwriters".

Simone White hat mehrere Songs für Film und Fernsehen geschrieben, darunter eine preisgekrönte weltweite Fernsehkampagne für den Audi R8 und eine Omega-Uhrenwerbung mit Nicole Kidman.
Sie war als Sängerin und Songwriterin an einer Reihe von Kollaborationen beteiligt (Fol Chen, Reinier Zonneveld, Dive Index, The Wedding Present, The Happening) und war mit Little Dragon, Victoria Williams, Mark Eitzel,
Andrew Bird, Nouvelle Vague, Thao, The Honest Jon's Chop Up mit Damon
Albarn, John C Reilly & Friends und anderen auf Tournee und trat als Vorgruppe auf.
Derzeit lebt sie in Connecticut und arbeitet tagsüber als Lichtbildnerin, ein
Handwerk, das sie von ihrem Vater, einem Künstler, gelernt hat.
Aktuelles Video - Semaphores

Daniel Benyamin
Die Sehnsucht nach der Verbindung verschiedener Genres verfolgt den Künstler Daniel Benyamin schon seit Kindertagen. Die Meisterwerke J. S. Bachs aus dem elterlichen Wohnzimmer verehrte er genauso wie obskure Wave-Bands, deren Platten er heimlich kaufen musste, da Rockmusik zuhause verboten war.
Mit 17 Jahren verließ er Schule und Zuhause und begann mit seinen zahlreichen Bandprojekten zu komponieren und zu touren.
Nach Auftritten in über 35 Ländern solo, als Support von diversen Acts wie Whitney Houston, Sufjan Stevens oder The Divine Comedy etc. oder als Teil der Bands SEA + AIR, Jumbo Jet oder Gordon Raphael & The Half Full Flashes und Kompositionen für zahlreiche Filme (z.B. Tatort) hält Daniel Benyamin seit Jahren die DIY Fahne hoch und veröffentlicht im Herbst 2025 sein zweites
Album "Life After Music" bei Ghost Palace.
Das Album fällt sowohl reduzierter als opulenter aus und schöpft musikalisch zu einem großen Teil aus seinen Soundtracks der letzten Jahre. Live tritt er dafür zum ersten Mal ganz alleine und mit vielen Instrumenten auf.
Es gehe ihm vor allem darum, den für ihn typischen Multiinstrumentalismus mit Minimalismus zu kombinieren und sich seinen „persönlichen Existenzängsten und dem Lampenfieber in einer Art Kunstform zu stellen, die auch der Grund sind, warum ich mich auf der Bühne ganz alleine meist unwohl gefühlt habe“, so Daniel Benyamin. Sein größter Erfolg dabei ist, dass er sich ganz in seiner Musik widerspiegelt und den Zuhörenden ein unverfälschtes Bild gibt. Er folgt dem musikalischen Ruf seiner Seele, losgelöst von Mainstream und Erwartungen. Er zeigt sich sowohl in Zerbrechlichkeit, als auch in den für ihn typischen
energievollen Rhythmen und atmosphärischen, eingängigen Melodien. Sein Handwerk ist das große Songwriting der 70er und 80er. Kombiniert mit plastischen Synthieklängen und analogen Instrumenten, wächst ein einzigartiger musikalischer Kosmos.
In dieser Neuerfindung entwickelte er das selbsterfundene Genre „Ghost Pop“ konsequent weiter. Wie das klingt, lässt sich neben den Liveversionen der neuen Songs auch in seinem 2022 über sein eigenes Label „Ghost Palace Records“ erschienenen Debütalbum Eral Fun hören. Dort verdichtet Daniel Benyamin seine Erfahrungen zu einer klaren, eigenen Stimme, die sich in ihrer
Einzigartigkeit mit internationalen Künstler*innen wie Kate Bush, Prefab Sprout, Radiohead oder Prince messen kann.
Aktuelles Video - Get rid of me

Das vielseitige Trio verschmilzt innovativ westliche und östliche Klänge, atmosphärische Effekte in eine homogene Einheit. Außergewöhnlich ist die Kombination der Instrumente, komplexe Strukturen und Kompositionen.
Überraschend das klanglich Grenzen sprengende Resultat!

Mandocello trifft auf amerikanisches Banjospiel, jazzigen feinen hellen Gitarrensound und eine klangliche rhythmische Vielfalt der Framedrum,
mal groovig , gestrichen, gezupft, gestreichelt und geklopft…

Neu interpretierte farbenreiche Eigenkompositionen, Arrangements sowie
Abwechslungsreiche klangvolle Improvisationen in Präzision und purer Kraft
erschaffen eine Klangarchitektur vom feinsten.

Die erfahrenen Musiker zaubern Elemente groove-orientierter Musik - Lyrischer
Klangwolke - Poetischer Gitarrensound - fließende Ragas - Jazz - folkloristisch inspirierter Musik mit improvisatorischem Feuer, tauchen in treibende Rhythmen und schillernden Sound, eine klanglich pulsierende intensive Reise.
Die Essenz ihrer Musik ist grenzenlose Kreativität, eine neue Welten umspannende stimmungsvolle Musik.

Homepages der Künstler und Künstlerin:

www.geoffgoodman.com
www.berndhess.de
www.marika-falk.de

Das Konzert erkundet die musikalischen Landschaften Brasiliens und greift Meisterwerke auf, die die Geschichte des Landes geprägt haben. Das Repertoire umfasst auch internationale Stücke und schlägt damit eine Brücke zwischen lokalem Erbe und globalen Melodien.

Diese Darbietung ist eine Hommage an die großen Meister der Volksmusik, ausgeführt mit der frischen Energie eines 15-jährigen Talents.

Eine unterhaltsame Krimi-Lesung gewürzt mit einer satten
Dosis Blues und einer Schaufel voll Humor Katharina Lukas liest aus ihrem neuen Krimi »Zefix halleluja!«
Sie wird dabei musikalisch unterstützt von Kultblueser und Ehemann Dr. Will
sowie Mitmusiker Saschmo Bibergeil.
Es ist ein Live-Hör-Spiel der besonderen Art! Denn die hörbar bairische Lesung wird in wahrer Soundtrack-Manier mit Trommeln, Gitarre, Geräuschen, Hintergrundmusik und Songs stimmungsvoll und unplugged begleitet.
Wie schon in ihren Vorgänger-Romanen nimmt Katharina Lukas mit ihrem Krimi die bayerische Lebensart mit jeder Menge Witz und Lokalkolorit aufs Korn und zeichnet ein lebendiges Bild von den aktuellen Zuständen zwischen Stadt und Land im heutigen Bayern.

PRESSESTIMMEN
»Der aktuelle Krimi führt die mittlerweile unfreiwillig freiberuflich agierende Gundi wieder nach Hintersbrunn, wo nicht nur ein vermeintliches Spukhaus das Fürchten lehrt, sondern auch Rechtsextremisten und Kirchenräuber, die das Dorf für sich vereinnahmen wollen. (…) Die Figuren werden glaubwürdig charakterisiert, die Milieuzeichnungen erscheinen treffsicher, ihre Sozial- und Medienkritik begründet: Katharina Lukas weiß, wovon sie erzählt!«
(lichtung – ostbayerisches magazin)

»Der Roman lebt nicht nur von seinem deftigen schwarzen Humor und der von
sämtlichen Frauenklischees befreiten Hauptfigur. Zeitgleich gelingt es der Autorin auf elegante Weise, unzählige politische Anspielungen auf die münchner, die bayerische und die deutsche Geschichte hineinzuschmuggeln.«
(HALLO MÜNCHEN)

»Weil auch Katharina Lukas (wie ihre Protagonistin) aus einem Dorf in Niederbayern stammt, sind ihre Krimis ein Fest für Freunde der bayerischen Sprache. Da gibt es Heislschleicher, die sich ans familiäre Einfamilienhauserbe heranmachen, nervtötende Scheißhausfliang und überhaupt jede Mende Gschwerl.«
(FOCUS online)

Seit vielen Jahren ist der Multi-Kreative Ecco Meineke (Kabarettisct, Jazz-
und Soul-Entertainer „Ecco DiLorenzo“) unterwegs mit dem Klezmer-Projekt
„Die Shtetlmusikanten“ im Duo mit dem Klarinettisten Andreas Arnold
(„Monaco Bagage“, „Orchester Shlomo Geistreich“, Sägebrecht-Brustmann-Arnold)
Zuletzt waren sie Teil des „Spil-Orchesters“ in Meinekes Theaterstück „Das Spil“
über das Leben und Wirken des polnischen Schriftstellers und Reformpädagogen Janusz Korczak.
Die beiden präsentieren die einzigartige Klezmer-Musik, den "Soul"der aschkenasischen Juden Osteuropas.
Meineke moderiert und erzählt ein wenig über die Geschichte dieser Musik.

Der Zauber der orientalischen Klangwelt verbunden mit dem Feuer der spanischen Gitarre. Eigene Kompositionen, arabische Klassiker neu interpretiert, Flamenco im Dialog mit den Klängen der Oud ... MAQAMUNDO steht für eine Musik, die orientalische und westliche Kultur verbindet. Orient und Okzident gehen fließend ineinander über und Neues entsteht.

MAQAMUNDOs Debüt Album „Orient Spirit“ ist 2020 erschienen. Im Zentrum dieses Konzertabends steht MAQAMUNDOs neues Album "Time Traveler". Wie ein freier Vogel durchstreift die Musik hier verschiedene Kulturen und Zeiten, baut Brücken und erkundet dabei stets neue klangliche Landschaften. Die Musik zeichnet stimmungsvolle Bilder und weckt Emotionen wie Freude, Hoffnung und Sehnsucht - sei es nach der Heimat oder unbeschwerten Kindertagen…

Neben Maruan Betawi an der Oud gehört zu MAQAMUNDO Ismael Betawi an

Geige und E-Bass. Die beiden Brüder wuchsen in einer multikulturellen Familie in Jordanien auf, was ihnen schon früh den Zugang zu verschiedenen

Musiktraditionen ermöglichte. Die Liebe zur Musik, die Grenzen und Genres

überschreitet, verbindet sie auch mit den Bandkollegen: Oliver Nözel, der mit

seinem ausdrucksstarken Spiel auf der Flamenco- Gitarre fasziniert und

Marliese Glück, die mit ihren tänzerischen Rhythmen und perkussiven

Akzenten das Klangbild abrundet.

Lieder vom Leben - voller Kraft, Poesie, Musikalität und Ausdruck!

Peter Aigner und Günter Renner, zwei 'alte Hasen' der Münchner Liedermacherszene mit einem frischen, neuen gemeinsamen Programm:

Poesie und Klangwelten - LebensLiederMacherei!
Folk, Bossa Nova und Blues aus eigener Feder - mal bayrisch, mal hochdeutsch!

Die Songs von Peter Aigner und Günter Renner schauen abwechslungsreich aus unterschiedlichen Blickwinkeln auf das Leben - mit seinen Höhen und Tiefen, seinen Geschichten und ernsten und komischen Erlebnissen. Sie laden zum Zuhören ein, sie berühren und unterhalten!

Songbeispiel 1

Songbeispiel 2

Songbeispiel 3

Groovy Music – ein Erlebnis, das Mo’fazz aus München offeriert. Musikalische Vielfalt steht ganz oben auf der Agenda des Quartetts. Und so hat die Band einen eigenen groove-orientierten Stil entwickelt, der den musikalischen Bogen schlägt von Jazz, Soul, Swing, Funk und Latin bis hin zu Ska und Reggae.

Fingerschnipsen und Fußwippen im Publikum inklusive! Mo’fazz bietet moderne, teils elektronisch unterstützte Arrangements gepaart mit spannenden Improvisationen. Damit verleiht die Band beliebten Jazz-Evergreens, zeitgenössischen Stücken und Mo’fazz-Eigenkompositionen eine ganz eigene Note. Ein Konzept, das mit der Doppelbesetzung von Piano, Keyboard und Orgel noch mehr Spielraum erhält. Beide Keyboarder treten in wechselnder
Besetzung im Quartett auf. Die unterschiedlichen Stile der fünf Bandmitglieder kreieren ein facettenreiches Spektrum, das Anspruch, Dynamik und gute Laune mit Leichtigkeit vereint.
Oliver Knab am Tenor- und Sopransaxophon, Frank Sattler und Martin Vogel, die beiden Keyboarder, Manuel Frey am Kontra- und E-Bass sowie Fritz Rittmüller, der Stimme und Schlagzeug beisteuert, schaffen einen mitreißenden Sound, der die Musik atmen, swingen, grooven – fazzen – lässt.
Mo‘fazz ist ein vitaler Bestandteil der Musikszene in und um München, mit Gigs in bekannten Clubs und auf Open Airs, etwa in Burgthann, Burghausen, Konstanz oder dem Jazz Weekend Regensburg.
Auf den gängigen Musikportalen ist Mo’fazz mit drei CDs „Do The Fazz“, „From Outer Space“, „Green Blue and Happy“ sowie verschiedenen Einzeltiteln vertreten.
Auch beim Auftritt für ars musica im Wirtshaus Tannengarten in München-Sendling freut sich Mo’fazz in der Besetzung mit Frank Sattler darauf, gemeinsam mit dem Publikum in die Nacht zu grooven.

What we do: das neunte, so betitelte Album von Justyn Tyme gibt da mit musikalischen Mitteln genaue Auskunft.
Munter bewegt sich das Quintett in ereignisreichen und vielfarbigen Eigenkompositionen zwischen Modern Jazz, Funk, Latin und Weltmusik und setzt dabei neben dem handelsüblichen Instrumentarium auch eine ganze exotischer Klangerzeuger ein:
Die brasilianische Berimbau, das westafrikanische Daumenklavier Kalimba, eine sogenannte Dream Pipe oder die Maultrommel.

Wie die messerscharf akzentuierenden Bläser, die funkigen Keyboards und die bewegliche Rhythm-Section miteinander korrespondieren, das klingt einmalig.

Die Stücke der bereits 1991 gegründeten Münchner Band sind zwar dicht angelegt, doch lassen sie genug Spielraum für das Spontane, für die Intuition, für zündende Improvisationen und gelegentliche Ausbrüche.

„These Boots Are Made For Walking“
Songs & Swing

Petra Lewi Gesang, Ukulele, Singende Säge

Titus Waldenfels Gitarre, Geige, Banjo, Mandoline, Pedal Steel Guitar

Seit etlichen Jahren spielen Petra Lewi und Titus Waldenfels zusammen, auf Bühnen aller Art mit kleinem Aufwand und großer Wirkung. Eine Ansammlung an Instrumenten, deren Bedeutung während der Auftritte Stück für Stück enthüllt wird, und Songs und Instrumentals aller Art.

Eigenes, Countryklassiker, deutschsprachige Gassenhauer, Experiment und Rock'n Roll. Die Kunst der Unterhaltung, immer ähnlich, aber nie gleich.
Petra Lewi ist Kulturpreisträgerin aus Freising, die musikalische Drei-Minuten-Dramen kreiert mit Songs von Tom Waits, Nancy Sinatra, Loretta Lynn, Lana del Rey und anderen. Sie singt, spricht, begeitet sich selber auf der Ukulele und spielt virtuos Singende Säge.

Der Münchner Titus Waldenfels ist seit mehr als dreißig Jahren aktiv, bestreitet jährlich um die 250 Auftritte, hauptsächlich in Deutschland, aber auch Österreich, der Schweiz, Tschechien und sogar in den USA, bei jährlichen Aufenthalten in Texas.
Titus Waldenfels wird häufig von wunderbaren Musiker:innen und Sänger:innen aller Art begleiteter singt selber nicht, kann aber alle Arten von Songs gekonnt begleiten und zu seinen eigenen machen.

Über die Jahre trat er mit so unerschiedlichen Bands und Künstlern auf wie Embryo, Monty Waters, Mal Waldron, Uli Wunner, Mike Buck, Eve Monsees, Anthony Garcia und vielen mehr.

„Hey Titus, I'm your newest biggest fan! Mickey“
Mickey Raphael, Harmonica player of Willie Nelson's Band

„Klangreise durch alle Befindlichkeiten - Populäre Musik zu vermitteln bedeutet nicht auch zwangsläufig, sich dem ästhetischen wie anbiedernden Diktat des zeitgenössischen Pop anzupassen.

Man kann schon populär klingen und zugleich auch kreativ sein. Jeder Song von Titus Waldenfels verströmt in den abenteuerlichen Weiten zwischen Pop und Jazz einen eigenen, unverwechselbaren Reiz und ergreift in seiner ungekünstelten Gradlinigkeit beinahe von jedem Hörer sofort Besitz.“

Jörg Konrad, Süddeutsche Zeitung FFB

www.titus-waldenfels.de

www.facebook.com/waldenfels

https://www.instagram.com/twaldenfels

www.youtube.com/c/TitusWaldenfelsOfficial

www.petralewi.de


 

Letztes Jahr hat die Kühnemann schon ein Gastspiel im Laden gegeben. Jetzt gibt es wieder ein paar neue Lieder und Geschichten und vielleicht wird es einfach eine schöne Tradition, dass sie uns im Laden beehrt - ganz alleine - nur mit ihrer Westerngitarre.

Die Kühnemann ist seit vielen Jahre Teil der Münchner Kulturszene. Sei es als Musikkabarettistin, Chansonsängerin, Filmemacherin oder Radio Moderatorin.
In der Corona Zeit entstand die Idee zu dem Album ZEITLOS, das sie im Herbst 2024 veröffentlichte.
Sie nennt sich selber „Liedermacherin“ aber das wäre zu kurz gegriffen. Sie schreibt nicht nur Lieder, sie spielt und lebt sie mit ihrer ausdrucksstarken
Stimme auf der Bühne aus und mit viel Witz und Charme moderiert sie durch das Programm.
Wie wäre es wohl James Dean zu sein? Wie viel Power steckt eigentlich in der Angst? Ist die schöne neue Welt wirklich so schön? Wo erleben wir eigentlich den Perfekten Tag? Wäre ein Leben ohne „Vielleicht“ ein besseres Leben?
Die Kühnemann versteht es unangenehme Wahrheiten so zu verpacken, dass dann alles nicht mehr ganz so schlimm ist. So entschuldigt sie sich für ihren Straßenhund aus Rumänien, erzählt uns aus dem „Leben“ eines Schutzengels und auch Politik und die Liebe dürfen nicht fehlen.
hre Lieder sind abwechslungsreich, von romantisch über traurig bis rockig, aber immer wieder scheint die Sonne der Ironie und des Humors durch.
Ein Konzert der Kühnemann ist auf jeden Fall ein sehr abwechslungsreiches Vergnügen.

Das „ZEITLOS“ ist ein Los, das wir alle im Leben ziehen: Gewinn oder Niete, furchtlos oder ängstlich, vom Pech verfolgt oder vom Glück überrannt. Die Kühnemann hat für alle das passende Los dabei.

Improvisationen auf der Goldenen Harfe treffen auf afrikanische Weltmusik.

Evelyn Huber mit ihrer großen Konzertharfe mit Einzeltonabnehmersystem trifft auf Adjiri Odametey, den Multiinstrumentalisten mit afrikanischer Kora, Gitarre, Trommeln und vielem mehr.

Ausnahmeharfenistin Evelyn Huber ist ein besonderes Klangerlebnis: hingebungsvoll und feurig ebenso wie atmosphärisch-meditativ. Inspiriert von Tango, Jazz, New Classics und lateinamerikanischem Lebensgefühl entwickelt sie einen einzigartigen Musikstil, getragen von ihrem sonnigen Temperament und ihrer tiefen Hingabe zur Musik.

Markenzeichen des Singer-Songwriters Adjiri Odametey ist seine warme, erdige Stimme. Der Multiinstrumentalist beherrscht eine Vielzahl afrikanischer Instrumente.
Gemeinsam sprechen die auf den ersten Blick ungleichen Musiker
die gleiche Sprache:

Weltmusik mit viel Raum für Improvisationen, Grooves und betörende musikalische Stimmungen, einzeln und zusammen und mit viel Freude an der Musik!

Leleland ist die kreative Zusammenarbeit der Münchner Sängerin und Komponistin Katharina Heinrich und des italienischen Musikers & Komponisten Alessandro Pedroni.
Auf den gerne unterschätzten Instrumenten Ukulele & Guitalele kreieren sie einen mitreißenden und gefühlvollen Mix aus eingängigen Grooves, melodischen Riffs und witzigen oder nachdenklichen Texten.
Ihr Set besteht hauptsächlich aus eigenen Songs, mit dem ein oder anderen kuratierten Cover. Mit Charme & Originalität nehmen sie das Publikum auf eine musikalische Reise mit, die sich am Pop, Jazz, Rock, Klassik, Reggae, Folk und Weltmusik gleichermassen bedient, nur um zu beweisen, dass Musik keine Schubladen braucht, sondern ein fliessendes, stetig neu verbindendes Element ist.

Die Liebe hat viele Facetten, spricht und klingt in der ganzen Welt in einer Klang Sprache. Musikalische Songs kombiniert in Leichtigkeit und Hörgenuss mit rhythmischer Dynamik und Momenten. Die Musik verschiedener Kulturen, Brücken zwischen den Generationen und Kontinenten, zaubert ein Lächeln in die Gesichter, ruft Erinnerungen, tröstet, erheitert, lässt einen in andere Länder fliegen und öffnet Emotionen.
Musik für Tanzen und Träumen, voll pulsierender Rhythmen und Poesie, quer durch Zeiten und Kontinente:
Frühe Musik, Chanson, Jazz, bis Moderne Elemente und stilübergreifende Improvisationen verschmelzen in einer zeitlosen und ergreifenden Musik.
Heute Abend bieten Falk & Feldmann eine Reise an verschiedene Musikalische Orte, geniessen und mit summen, denn vieles wird bekannt sein.…

KURZ VITA MUSIKER:
Marika Falk – Framedrum, Dombak, Darabuka, Duff, Rique, Canjira
(Live Bühnen Musik in Staatstheatern, Projekte)
Konzert Tourneen in Deutschland, Schweiz, Österreich, Italien, Amerika, Israel, Ungarn, Russland,Spanien. Mitwirkung und Eigenproduktionen zahlreicher CD Produktionen
Live Bühnen Musik wie im:
Theater der Jugend Schauburg: „Tamerlan“ Regie: Peer Boysen, Musik: Marika Falk, Tony Matheis / Residenztheater:
„Der tollste Tag von Boumarche“ Musik: Rudi Knabl / Staatstheater Gärtnerplatz: „4 Ein Tanz Event“ Modern Ballett:
Phillip Taylor, Musik: Johannes Faber / Staatstheater Nürnberg Oper: „Wolkenstein“ Musik: Wielfried Hiller, Regie:
Percy Adlon / Bayerisches Staatsschauspiel Residenztheater: „Die Bakchen von Euripides“ Regie: Dieter Dorn
Musik: Robyn Schulkowsky / 10 Jahre Nibelungen Festspiele, Worms: „Jud Süss“ Regie: Dieter Wedel ect....

Kathrin Feldmann – Vocal, Piano
Ausbildung als Opern- und Konzertsängerin, Pianistin und Musikpädagogin am Richard-Strauss-Konservatorium München und Mozarteum Salzburg. Freiberuflich als Sängerin und Schauspielerin tätig solistisch als "Singende Pianistin" in Hotels, Bars, für diverse Veranstaltungen. Solo-Altistin im sakralen Bereich. Eigene Ensembles in wechselnden Besetzungen mit Musiken aus verschiedenen Epochen, original und in neuen Klanggewändern.

Nach mehreren sehr erfolgreichen Ausstellungen, die jeweils mit ROB `N´ HIS MATES zur Vernissage und der „Liederlesung“ zur Finissage veranstaltet wurden, gibt es nun die „Faces Of The Blues“ - Liederlesung als eigenes Format.

Der Bluesmusiker und Songwriter Robert Richter und Gaby von Sulkowski, die ihrerseits als Solokünstlerin unter dem Künstlernamen Strawberry Train auftritt, bieten ein Programm das sowohl unterhaltsam als auch informativ ist.
Alte Bluessongs werden mit Geschichten und Anekdoten zu deren Hintergründen dargeboten und sorgen für einen kurzweiligen Abend.

Balkan & Jazz - eine neue Variante dieses Themas präsentieren
Sigi Finkel und Zoltan Migovics mit ihrem Duo.

Zoltan, der aus der ungarischen Minderheit im Westen der Ukraine stammt trifft mit seinem Akkordeon auf Sigi, Deutscher, der schon lange in Wien lebt.
Das Aufeinandertreffen dieser beiden hochkarätigen Solisten zu einem Duo verspricht Musik, die sowohl das Feuer als auch die Melancholie des Balkan mit der Virtuosität des Jazz verknüpft.

Premiere dieses Duos war beim Akkordeonfestival 2025 in Wien. Im April 2025 wurde das Duo vom Österreichschen Rundfunk ORF ins Studio eingeladen um Musik für eine Sendung aufzunehmen.

Hermann Beham, Musiker aus München-Giesing
(Ex-Bairisch diatonischer Jodlwahnsinn, Gybsy-Swing Trio „Trio Bardolino“) machte schon „Heimatsound“ in den 90zigern, da war das Wort noch gar nicht erfunden.
Mit seinem neuen Trio „Die Dreiviertler“ treibt er unbeirrt sein Projekt weiter und „schert“ sich was um irgend einen Trend. Bleibt sich seinen Wurzeln treu, doch immer neugierig um „Altes“ zu verändern, auf der Suche nach dem passenden Gefühl für den nächsten Song.
Nach vielen Jahren des Musizierens durch sämtliche Stilrichtungen, kann es schon passieren, das nach einem „Hendrix“- Cover mit bairischem Text ein Jazzstandart folgt und mit einem „Zwiefachen“ endet.
„Die Dreiviertler“ sind immer für eine Überraschung gut und sorgen für gute Laune. Die drei Münchner Musikanten, kommen aus verschiedenen Stadtvierteln,
spielen gerne dreiviertel und andere „krumme“ Taktarten auf unterschiedlichsten Instrumenten.
Denken auch sonst immer etwas um die Eck ́n, nach dem Motto:
„An jedem Eck a ́Gaudi“.

Manche kennen Ecco Meineke nur als Soul- oder Jazz-Entertainer "Ecco Dilorenzo" oder als Kabarettist (Haus-Texter und Ensemble-Mitglied der Münchner Lach- und Schießgesellschaft)
Die Jüngeren verbinden ihn mit dem Film „Der Schuh des Manitu“ , für den er den "Superperforator"-Song schrieb und sang, wie auch alle anderen (männlichen) Titel.
So hatte er seine Bühnenkarriere auch begonnen: Als SingerSongWriter.
Gemeinsam mit Werner Schmidbauer war er in allen bayerischen Kleinkunstbühnen zu Gast.
Vor wenigen Jahren veröffentlichte er ein Chanson-Album mit dem Titel "Blattgold", das von Konstantin Wecker begeistert besprochen wurde.

Seit einiger Zeit leistet er sich das Vergnügen, back to the roots zu gehen
und das zu machen, womit er begann: Folksongs!
Zu diesen Konzerten kommt er allein mit Gitarre und mischt die Folkklassiker seiner Idole, von James Taylor bis Paul Simon, von Jim Croce bis Billy Joel, von Bob Dylan bis zu den Beatles mit seinen eigenen Songs"

Cláudia Sofia ist eine junge Sängerin und Gitarristin aus Mindelo (Kapverdische Inseln), Heimat der legendären Cesária Èvora und Talentschmiede einer Vielzahl von international bekannten Musikern.
Bereits im Herbst 2024 absolvierte Cláudia eine vielbeachtete Tournee mit über 20 Konzerten in Portugal, Deutschland und Österreich und verzauberte das Publikum mit ihrer glasklaren Stimme, tollen eigenen Songs und einer hervorragenden Begleitband mit Lucio Vieira am Bass und Markus Leukel am Schlagzeug.
2025 wird auch ihre erste eigene CD (ausschließlich Eigenkompositionen) erscheinen.

Cláudias Lieder sind tief verwurzelt in der Musiktradition ihrer Kapverdischen Heimat, gleichzeitig ist eine Offenheit für Elemente aus der brasilianischen und europäisch-amerikanischen Musikkultur bis hin zur klassischen Musik unverkennbar.
Sie singt vom Leben und Lieben auf dem Inselarchipel vor der Küste Westafrikas, auf dem sich in den vergangenen 500 Jahren eine einzigartige kreolische Kultur entwickelt hat.

Die Tour des "Claudia Sofia Trios" wird ermöglicht durch die großzügige Unterstützung von Vista Verde Tours, REISENMITSINNEN, TAP Air Portugal

Alice Viola, italienische Jazz-Soul-R&B-Sängerin und Komponistin, präsentiert ihre beiden Alben 'A Long Trip' (2018) und 'Dust' Til Sun' (2021), zusammen mit einigen neuen Tracks, begleitet von ihrer Band:
Andre Schwager an den Keyboards, Raoul Walton am Bass,   Guido May am Schlagzeug.
Alice Viola war für die Komposition und die Arrangements aller Stücke
verantwortlich, insbesondere für Dust 'Til Sun, das komplett in München
aufgenommen und gemastert wurde und über das Label Record Jet vertrieben wird.
Alice Viola reiste und trat auf Bühnen in Italien, Madrid, New York, Montreal, Toronto und schließlich Deutschland auf und arbeitete mit vielen Spitzenmusikern zusammen.
Diese künstlerischen Erfahrungen sind in ihre Musik eingeflossen, die nicht nur auf Italienisch, Englisch und Spanisch geschrieben ist, sondern auch viele verschiedene Rhythmen und Klänge vereint, darunter Jazz, Latin, Neo Soul und Black Music der 1970er Jahre, alles Klänge, die sie schon immer geliebt hat.
Songs aus ihren Alben wurden von Radio rai 1, Solar Radio England, BBC
OxfordRadio, BBC Surrey und Solar Radio aufgenommen und die Singles Dust' Til Sun, Dreamer, Sunday Afternoon und Beyond The Moon, begleitet von Musikvideos, waren für eine unabhängige Künstlerin mit über 25.000 Aufrufen ein großer Erfolg auf You Tube und Spotify.
Musik ist für Alice Viola das Medium, durch das sie etwas über sich selbst und ihre Umgebung erfährt.
Musik ist die Brücke zwischen Alice Viola und ihrer Fantasie, ihrer Kreativität, ihren Emotionen, die sich in Klängen, Melodien und Rhythmen materialisieren.
„Vulkanisch, aufregend, tiefgründig, energiegeladen, manchmal kantig und
manchmal seidig“, das sind die Worte, die den Stil von Alice Violas Musik und
Persönlichkeit definieren.
Live zeichnet sich die Band durch ein starkes Zusammenspiel und viel Raum für
Improvisation zwischen den Musikern und Alice Viola aus, die gerne Scat mit Riffs und Vocal Runs kombiniert.

Ihre Stimme geht unter die Haut, ihre Texte machen Mut und ihre Songs bleiben im Ohr. Sophia Zoe vereint souligen Pop mit smoothen Grooves und einer Stimme, die zwischen Sanftheit und Kraft changiert.

Ihre Songs über Selbstbestimmung, Resilienz und innere Stärke verschmelzen zu einem Sound, der zwischen Intimität und Energie pendelt und dazu ermutigt, echt zu sein – ohne Maske, ohne Kompromisse.
Mit ihrer Musik schafft die 25-Jährige einen Raum für Empowerment, der sowohl zum Mitsingen als auch zum „Soul-Searching“ einlädt.
 Die Süddeutsche Zeitung lobt besonders Sophia Zoes unvergessliche Stimme, die einen bleibenden Eindruck hinterlässt (Band der Woche, 2020).

Die Münchnerin singt und spielt Klavier seit Kindesbeinen und schreibt Songs seit ihrem achten Lebensjahr. Nach ihrem Debütalbum „Exciting“ (2015) und ihren Musikvideos „Fish In The Sea“ (2020) und „Trapped In Drugs“ (2023) ist die Künstlerin mit neuen Songs zurück:

Am 14. September bringt sie bei ars musica mit ihrer Band unter anderem ihre aktuellen Singles „Back to Me“, „Mirage“ und „All You Need“ auf die Bühne.
Und sie gibt einen Vorgeschmack auf noch unveröffentlichte Songs.

Neue Musik erscheint regelmäßig auf allen Streaming-Plattformen und wird über Instagram und ihren Newsletter geteilt:
www.sophiazoe.world

Neben ihrer künstlerischen Arbeit ist Sophia Zoe als Vocal Coach und Musikproduzentin in München tätig.

“Luna & The Pink Jam“ machen eine spannende Mischung aus Indiepop, New Soul, Spaceschlager und poetischen Balladen.
Die vier Profimusik*innen bringen mit Begeisterung und Virtuosität einen sound auf die Bühne, der easy grooving Power mit sphärischen ambient Klängen zu einem unverwechselbaren, Genre übergreifenden Stil verbindet.
Frontfrau Luna (keyb.+flute) singt ihre hintergründigen, oft ironischen Texte mit authentischer Leidenschaft – verhalten, intensiv und ausdrucksstark. Eine Stimme und lyrics, die berühren und unter die Haut gehen. Es geht natürlich – wie könnte es anders sein – auch um die Liebe in all ihren Schattierungen.

Luna B. Ziegler studierte klassische Musik an der Musikhochschule Hamburg, spielte in diversen Worldmusic-Formationen Keyboard und Flöte und veröffentlichte in den 90-Jahren mehrere CD`s mit eigenen New-Age-Instrumentalkompositionen (u.a. „Moving Moments“, „Time Dreaming“, „In Balance“, „spacing out-spacing in“ u.a.).
2019 begann sie, Songs zu schreiben und zu produzieren. Es folgte 2024 die Veröffentlichung des Albums „tracks`n traces“ mit songs, die jetzt zum live Repertoire der ebenfalls 2024 gegründeten Band „Luna & The Pink Jam“ gehören.

Wunderbare Klänge erklingen. Sie kommen aus Meister Anton Klings geheimer Klangwerkstatt. Dort sammelt der berühmte Klangsammler Klänge, Töne und Instrumente. Glucks wird durch die Klänge magisch angezogen und ist sehr neugierig:
Wo all diese seltsamen Geräusche wohl herkommen? Als sie Meister Kling kennenlernt, ist sie begeistert und möchte alles über die faszinierende Welt der Klänge erfahren. Ob es für ihn zum guten Ton gehört, ihr seine geheime Schatzkammer zu öffnen und in die Vielfalt der Klänge einzuführen?

Ein Kling-Klang-Clownstück mit zahlreichen Klangerzeugern und Instrumenten für Kinder ab 4 Jahren und Familien.

Ein humorvolles Stück, dass dem Publikum Freude an der Welt der Klänge und einen spielerischen Umgang mit Instrumenten vermittelt.

Idee und Text: Kirstie Handel und Roland Fritsch
Spiel: Kirstie Handel und Christian Beier

Eine musikalische Reise mit Eigeninterpretationen zeitgenössischer Sinti und Romamusik, südamerikanischen und orientalischen Rhythmen, Balkanbeats und klassischen Violineinlagen.
Mit Gesang in verschiedenen Sprachen, stimmungsvollen Melodien energiegeladenen Höhepunkten und überraschenden Improvisationen verzaubern die Musiker ihr Publikum - ein echtes Weltmusikerlebnis!

Aus einer gemeinsamen Vision und dem Wunsch, ihre eigene
Musik zu realisieren und bestehende Lieder auf ihre Weise neu zu
interpretieren, entstand die Münchner Band Funkenflug.

Mit einer Mischung aus Folk, Gypsy Swing und Pop kreieren sie
einen abwechslungsreichen Sound, der sich zwischen lebhaften
Rhythmen und verträumten Momenten bewegt und durch
Gitarre, Geige, Kontrabass sowie mehrstimmigen Gesang geprägt
ist.

Funkenflug ist Teil eines Kultur-Förderprojektes des Bezirks
Oberbayern,  zusammen mit dem Popularmusik-Beauftragten.
Ihre erste EP “Zeitverwendung” erschien am 22. November 2024.
Der Titel spielt darauf an, sich bewusst Zeit für Musik zu nehmen und
einzutauchen.
In Eigenregie entstanden fünf Lieder, die die musikalische
Bandbreite der Band zeigen und von persönlichen Erfahrungen der Bandmitglieder geprägt sind.

Willi Ernst Seitz - Holzobjekte
Landschaften, Städte, besondere Orte sind häufige Motive des Münchner
Objektkünstlers Willi Ernst Seitz. Aber auch abstrakte Skulpturen und Wand-
objekte gehören zu seinen Arbeiten. Willi Ernst Seitz verarbeitet neben
Fundstücken auch Gebrauchsholz, zum Beispiel von Möbeln, Türen oder
Lieferpaletten. Holzteile werden zerlegt, zerschnitten, gespaltet und neu
zusammenfügt. Teilweise werden sie mit Mineralien kombiniert. So erhält das
Holz ein zweites oder drittes Leben mit völlig neuer Bedeutung.
Willi Ernst Seitz, geboren 1956 in München, zunächst Holzbearbeitung mit
Entwurf und Bau von Möbeln. Seit 1998 Bildhauerei von Holzobjekten in
Kombination mit Steinen, später auch Verarbeitung von gebrauchten Hölzern
wie Möbelteilen oder Einwegpaletten. Einzelausstellungen u. a. in der Galleria
Fiorito & Fluturell, im Bayerischen Umweltministerium, in der UniGalerieLMU
und im Museum Reich der Kristalle. Willi Ernst Seitz lebt und arbeitet in
München und ist Mitglied im Künstlerkreis Münchner Süden.

Petra Pohl - Malerin
hat im Kindergarten beschlossen zu malen, nachdem die Erzieherin sie als völlig
untalentiert eingestuft hatte. Seitdem hat sie nicht mehr damit aufgehört.
Neue Wege zu suchen, zu experimentieren und sich immer wieder
herauszufordern ist ein ständiger Antrieb, sowohl in ihrem Leben als auch in
ihrem künstlerischen Schaffen. Für ihre Suche nach neuen gestalterischen
Ausdrucksmöglichkeiten kann sie auf Erfahrungen im textilen Handwerk
zurückgreifen. Daraus entwickelte sich ihr Interesse an Mixed Media Techniken
und Textiler Kunst.

Hanna Caspar - Malerei
Hanna Caspar wurde 2003 in München geboren. Sie schloss ihr Abitur 2021 in
Tegernsee ab und übte ein Praktikum bei dem Künstler Herdin Radtke aus.
Dabei bildete das realistische Malen mit Ölfarben einen besonderen
Schwerpunkt. Um ihre künstlerischen Fähigkeiten weiter zu vertiefen, nahm sie
an einem Mappenkurs teil, der sie außerdem auf ihr anschließendes
Kunstpädagogik Studium an der LMU vorbereitete. Hanna Caspar arbeitet
hauptsächlich mit Ölfarben, wobei die Darstellung des menschlichen Körpers
das zentrale Thema ihrer Gemälde ist.

Helena Herzog - Malerei
Helena Herzog wurde 2002 in München geboren und ist sowohl in dieser Stadt
als auch am nahegelegenen Tegernsee aufgewachsen. Ihr künstlerisches
Schaffen entwickelte sich von Skizzen in ihrem Tagebuch, bis hin zu größeren
Formaten in Skizzenbüchern und Zeichenblöcken. Während ihres Abiturs 2021
interessierte sie sich zunehmend für die Ölmalerei und besuchte inspiriert
davon nach der Schule einen Mappenkurs, um dann Kunstpädagogik an der
LMU zu studieren. Ihr künstlerischer Schwerpunkt liegt in der realistischen und
figurativen Ölmalerei.

Hermann Beham, Musiker aus München-Giesing
(Ex-Bairisch diatonischer Jodlwahnsinn, Gybsy-Swing Trio „Trio Bardolino“) machte schon „Heimatsound“ in den 90zigern, da war das Wort noch gar nicht erfunden.
Mit seinem neuen Trio „Die Dreiviertler“ treibt er unbeirrt sein Projekt weiter und „schert“ sich was um irgend einen Trend. Bleibt sich seinen Wurzeln treu, doch immer neugierig um „Altes“ zu verändern, auf der Suche nach dem passenden Gefühl für den nächsten Song.
Nach vielen Jahren des Musizierens durch sämtliche Stilrichtungen, kann es schon passieren, das nach einem „Hendrix“- Cover mit bairischem Text ein Jazzstandart folgt und mit einem „Zwiefachen“ endet.
„Die Dreiviertler“ sind immer für eine Überraschung gut und sorgen für gute Laune. Die drei Münchner Musikanten, kommen aus verschiedenen Stadtvierteln,
spielen gerne dreiviertel und andere „krumme“ Taktarten auf unterschiedlichsten Instrumenten.
Denken auch sonst immer etwas um die Eck ́n, nach dem Motto:
„An jedem Eck a ́Gaudi“.

Die Bernd Bauer Blues Band fand sich in München bei diversen Bluessessions zusammen und halten die Fahne hoch für die alten akustischen Bluesstile. Zu hören gibt es Delta, Ragtime, New Orleans und frühen Chicago Blues, alte und neuere Songs. Mit Slidegitarre, Fingerpicking, Bluesharp, Washboard, Cajon, treibendem Kontrabass und diversen anderen Instrumenten wird Blues gespielt, wie es sich gehört: spontan, mit Spaß und Spielfreude, mit Leidenschaft und Seele.
We keep the Blues alive!

Bei schlechtem Wetter im Saal

Little Maggie verbinden die treibende Kraft des Bluegrass mit Stücken aus Pop, American Roots Music und eigenen Kompositionen. Little Maggie präsentieren wilde Fiddlesoli (Anna Takayasu), atemberaubend schnelles Banjo (Rudi Vogel) und rockig interpretierte Flatpicking Gitarre (Martin Grabenstein) kombiniert mit mehrstimmigem Gesang im high lonesome sound des Bluegrass. Diesmal unterstützt unser Trio David Miralles am 5-String Bass und Gesang. Kommen, hören, staunen!

What we do: das neunte, so betitelte Album von Justyn Tyme gibt da mit musikalischen Mitteln genaue Auskunft.
Munter bewegt sich das Quintett in ereignisreichen und vielfarbigen Eigenkompositionen zwischen Modern Jazz, Funk, Latin und Weltmusik und setzt dabei neben dem handelsüblichen Instrumentarium auch eine ganze exotischer Klangerzeuger ein:
Die brasilianische Berimbau, das westafrikanische Daumenklavier Kalimba, eine sogenannte Dream Pipe oder die Maultrommel.

Wie die messerscharf akzentuierenden Bläser, die funkigen Keyboards und die bewegliche Rhythm-Section miteinander korrespondieren, das klingt einmalig.

Die Stücke der bereits 1991 gegründeten Münchner Band sind zwar dicht angelegt, doch lassen sie genug Spielraum für das Spontane, für die Intuition, für zündende Improvisationen und gelegentliche Ausbrüche.

Steffi Trinker, Sängerin und Gesangslehrerin aus München veröffetlichte im November 2023 ihr Debütalbum "Reset". Gerade ist ihre neue EP "Healing" fertig geworden.
Musikalisch lässt sich ihre Musik im Genre Pop, Soul, Funk und Acid Jazz zuordnen. Einflüsse von Stevie Wonder, Jamie Cullum, Jamiroquai, Michael Jackson, Prince, Aretha Franklin und Eva Cassidy, finden sich in ihren Songs wieder.
In den Songtexten verarbeitet sie ganz persönliche Themen und beschreibt Zustände ihrer Krise und dem weg wieder heraus.

Die Songs sollen Mut machen sich zuzumuten, auch wenn es einem gerade nicht gut geht. Mit ihrer Band verpackt sie diese “Mutivation” in eingängigen Songs, mit einer Mischung aus Motown, Soul, Funk und Jazz, manchmal auch einer Prise Rock. Von langsam über schnell, leise bis laut, sanft bis kraftvoll, spielen wir Musik, die unter die Haut geht und zum Mitfühlen, Zuhören und Mitgrooven einlädt.

„Land Of The Midnight Sun“ – der Song, der Tuija Komi eines Tages wie selbstverständlich aus der Feder floss, ist nicht nur zum Titelsong ihres jüngsten Albums, er ist als „Music From The Land Of The Midnight Sun“ zum Programm geworden. Denn die Hymne auf ihre Heimat Finnland illustriert die Ausnahmestellung der seit vielen Jahren in Deutschland lebenden Sängerin: Wie keine andere bereichert Komi den klassischen Jazz-Gesang um Themen, Texte und Töne ihrer nordischen Herkunft.

„Ob eigene Lyrics, mal auf Englisch wie bei „Woman’s Life Cycle“, meist auf Finnisch, wie bei „Mä haluun laulaa – Ich will singen“ oder „Yksinäinen nainen – Die einsame Frau“ oder „Veri’s Tale“; ob Adaptionen aus dem ganzen Repertoire der finnischen Musik (vom Kinderlied „Nuuskamuikkusen Nappi“ über Filmmusik, finnischem Tango oder dem 60er-Jahre-Pop eines Kaj Chydenius bis zum selbst betexteten Stück der weltberühmten finnischen Rock-Band The Rasmus); oder ob mutige Vokalisen über klassische Stücke des finnischen Nationalkomponisten Jean Sibelius – stets fegt das Energiebündel Tuija Komi dank ihrer enorm variablen stimmlichen Ausdruckskraft alle Hürden bei diesem Kultur-Transfer der besonderen Art beiseite. Und nimmt ihr Publikum durch ihre souveräne, von vielen Geschichten durchzogene Moderation mit auf die musikalische Reise in den hohen Norden.
Nicht nur, dass Komi über eine enorme Range von den tiefsten bis in die höchsten Lagen verfügt, In Masterclasses bei Größen wie Theo Bleckmann, Kurt Elling, Nancy Marano oder den New York Voices, vor allem aber als Schülerin der Jazz-Legende Sheila Jordan hat sich Tuija Komi alles angeeignet, was eine vollkommene Jazz- Sängerin braucht. Sie hat Soul, kann Scatten wie der Teufel, liebt es zu improvisieren und reizt das ganze Spektrum der Stimme aus, bis hin zum Joiken, dem besonderen Gesang des Sami-Volkes aus Lappland. „Eine echte finnische Jazz-Diva“, wie die Süddeutsche Zeitung schreibt.

Aber auch und gerade die Musik ist Teamwork. Komi hat für ihre Mission den
perfekten Begleiter gefunden: den grandiosen Pianisten Stephan Weiser. Tuija und Stephan komponieren zusammen, er schreibt auch die bezwingenden Arrangements. Tuija Komi und Stephan Weiser sind schlicht
„The Finest Finnish in Jazz“.

Ein heiterer Blick auf die Schriften von James Joyce - irischer Autor, Dichter, Sänger, Musiker und Sprachlehrer, der als einer der einflussreichsten Schriftsteller der modernistischen Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts gilt.
Die musikalische Untermalung bietet eine Auswahl der Musik, die er sein Leben lang gerne hörte und selber vortrug sowie Musik, die in seinen Schriften erwähnt wird.
Bloomsday ist ein Gedenktag und eine Feier zum Leben des irischen Schriftstellers James Joyce. Er wird jährlich in Dublin und anderswo am 16. Juni begangen —dem Tag, an dem sein 1922 erschienener Roman “Ulysses” im Jahr 1904 spielt, und dem Datum seiner ersten sexuellen Begegnung mit seiner zukünftigen Frau Nora Barnacle. Der Tag ist benannt nach seinem Protagonisten Leopold Bloom.

Gerne in historischer Kleidung kommen. Hut, Brille, Gamaschen, Parasol, Weste...

Musik: Alan Burke (Afterhours, Rambling Boys of Pleasure...), www.alanburkesings.com

Lesung: Roland Fritsch (Ars Musica...)
www.rolandfritsch.de

Musik, Kommentar & Regie: Frank McLynn & Alison Moffat (Greensleeves, Munich Céili Band ...)
www.greensleeves-music.de    -    www.irishfolkclubmunich.de


Commentary: English
Reading: German/English
Songs: English

Erscheinen Sie oder weinen Sie
Tickets:     irishfolkclubmunich@t-online.de
                 Eintritt: €16,-

"He´s on fire"– so würde man Robert Wildfeuer vielleicht am besten beschreiben. Als "The Wildfire" begeistert der sympathische Singer Songwriter mit seinem Markenzeichen, dem Cowboyhut aus Santa Fe seit Jahren nicht nur das Münchner Publikum!

In seinen Liedern macht er sich Gedanken über das Leben und gesellschaftliche Themen, singt über die Liebe und nicht selten sind seine Texte auch geprägt von einer ordentlichen Portion Humor. Seine Musik hat ihre Wurzeln in den USA und es finden sich sowohl Folk, Country als auch Rock Elemente darin.

Robert Wildfeuer schreibt die meisten Songs in Englisch, ist sein Bruder doch Amerikaner und lebt eine seiner Töchter mit ihrer Familie seit fünfzehn Jahren in Michigan. Aber bayerisch kann der Münchner natürlich auch und so ist in den letzten Jahren ein Programm entstanden, das von seinem München Lied bis hin zu kulinarischen Schmankerln reicht.

Seit 2018 tritt er auch mit seiner Tochter Bibilotta Viktualia auf, die mit ihren zarten Chansons und Eigenkompositionen das Programm bereichert und den Liedern ihres Vaters noch eine zusätzliche Stimme schenkt. Auch seine Tochter Jenny Wildfeuer ist oft mit von der Partie und unterstützt ihn kräftig am Gesang und am Cajon.

Ob in Klubs, Bars und Cafés, in vielen Kult-Locations, auf Vernissagen oder im Biergarten und in welcher Formation auch immer – The Wildfire, wie man ihn gerne in der Münchner Scene nennt, fühlt sich überall zu Hause!
Nach seinem ersten Album "The Wildfire - Only A Folk Singer“ mit sechs Liedern aus dem Jahre 2020 hat er in den letzten beiden Jahren auch drei Singles auf allen gängigen Streaming Plattformen veröffentlicht.

Neoklassische Kompositionen an der Schnittstelle von Filmmusik und Gregorianik.

Die Musik des Berliner Komponisten, Kontrabassisten und Multiinstrumentalisten Jaspar Libuda befindet sich an der Schnittstelle von NEOKLASSIK, FILMMUSIK und SOUNDSCAPES. Sein neues Album DAS BUCH DER TRÄUME erscheint bei CINEMATIC BASS MUSIC. Sein vorletztes Album wurde produziert von KULTURRADIO VOM RBB. Seine Musik wurde im Radio unter anderem im ARD RADIOFESTIVAL und bei DEUTSCHLANDRADIO KULTUR gespielt. Jaspar Libuda wurde zu Festivals eingeladen, wie dem PIANEO FESTIVAL, JAZZUNITS FESTIVAL, JAZZ IN DEN MINISTERGÄRTEN, FONTANE FESTSPIELE, MAGDEBURGER SONGTAGE, HAVELLÄNDISCHE MUSIKFESTSPIELE, RUDOLSTADT FESTVIAL, SIEBENKLANG FESTIVAL. Die Printmedien haben über ihn geschrieben, wie der BERLINER TAGESSPIEGEL und die FRANKFURTER ALLGEMEINE ZEITUNG. Jaspar Libuda hat an Filmkompositionen für CONSTANTINFILM, ARTE, BR FERNSEHEN, RTL+ und RBB mitgearbeitet, die unter anderem beim CANNES SERIES FESTIVAL in Frankreich und dem FILMFEST MÜNCHEN vorgestellt wurden. Jaspar Libudas Musik für zeitgenössisches Tanztheater wurde in BERLIN, KÖLN, MÜNCHEN und SAN FRANCISCO aufgeführt.

Jaspar Libuda spielt seit 2009 fast jedes Jahr in wechselnden Besetzungen bei Ars Musica in München, 2025 das 16. Mal. Dieses Jahr gibt Jaspar Libuda ein hochemotionales Konzert mit seinen Kompositionen für Kontrabass Solo, Loop Station und Live-Elektronik. Sein erstes Soloalbum hat Jaspar Libuda mit seinem fünfsaitigen Kontrabass, der nach seinen Wünschen für ihn gebaut wurde, komplett überarbeitet und neu aufgenommen: das Album heißt "Musik aus Glas". Sein zweites Soloalbum "Die Geburt der stillen Farben" hat er ebenfalls vollständig überarbeitet und sowohl mit seinem viersaitigen als auch mit seinem fünfsaitigen Kontrabass neu aufgenommen und abgemischt. Aus beiden Alben wird er ebenso Kompositionen spielen wie aus seinem dritten und aktuellen Soloalbum "Das Buch der Träume", mit neuen Arrangements, die Jaspar Libuda in München noch nicht gespielt hat. Außerdem wird der Berliner Komponist und Kontrabassist während des Konzertes Einblicke in den Entstehungsprozess seiner Kompositionen geben und zu jedem Stück eine Geschichte erzählen. Die namensgebende Komposition des Konzertes "Eine kleine Geschichte des Lichts", zu der Jaspar Libuda ebenfalls eine persönliche Geschichte erzählen wird, stammt von seinem zweiten Soloalbum.

Jaspar Libudas Kompositionen sind klassische Klanglandschaften, musikalische Geschichten ohne Worte, eine Liebeserklärung an die Melodie und die tiefen Gefühle, die sie hervorzurufen vermag. Eine Verbindung von virtuoser Kontrabasskunst und elektroakustischer Musik. Unter Verwendung eines speziell für ihn gebauten fünfsaitigen Kontrabasses mit hoher C-Saite, Live-Elektronik und Loopstation erschafft Jaspar Libuda vor den Ohren seines Publikums ein ganzes Ensemble. Schichtet Flächen und Rhythmen übereinander. Verwebt Melodien und Stille zu einer dichten Klangwelt, Gleichzeitig melancholisch und voller Lebenslust. Ein Schwebezustand zwischen Stilen und Genres. Ein Grenzgang zwischen zwischen Klassik, Jazz, Rock, Pop und Minimal Music. Mit Klangfarben, die an Cello, Perkussion, Gitarre und Oud erinnern. Fast 100 Kompositionen sind in den letzten Jahren entstanden. In den Kompositionen seines neuen und dritten Soloalbums Das Buch der Träume bringt Jaspar Libuda seine Liebe zu Minimal Music und gregorianischem Choral gleichermaßen zum Ausdruck. Er erschafft Räume, in denen die Zeit sich aus dem Bruchteil eines Momentes in ein Universum klanglicher Möglichkeiten auszudehnen scheint.

"Musik von eindringlicher Schönheit. Kein Ton zuviel, keiner zu wenig. Der Berliner Bassist und Komponist Jaspar Libuda gehört zu den besten seiner Zunft."
Ulf Drechsel, kulturradio vom rbb

"Musik, die ganz eigene, fantastische Filme in unsere Köpfe zaubert."
Marion Brasch, radioeins

"Libudas Stücke entwickeln einen Sog, dem man sich nur schwer entziehen kann."
Olga Hochweis, Deutschlandradio Kultur

"Libuda entwickelt einen Klangsog, der kongenial die Gefühle, den Schmerz und die Liebe, die Idealwelten und Realzwänge begleitet und weiterführt."
Eva-Maria Magel, Frankfurter Allgemeine Zeitung


VIDEO: Jaspar Libuda - Full Concert | Live | Greifswalder Dom
https://www.youtube.com/watch?v=uGww2I8bNlQ

VIDEO: Jaspar Libuda - Schleier | Live | Trinitatiskirche Warschau
https://www.youtube.com/watch?v=T2E_xB4VOGU

Ein frischer Mix aus Latin Jazz und Flamenco Nuevo. Treibender Groove und waghalsige Improvisationen bis die Funken sprühen. Leidenschaftlich und virtuos, aber auch fein und elegant. Mit Musik von Paco de Lucia, Al Di Meola und John McLaughlin knüpft Jamenco an das größte Highlight der akustischen Gitarre, die „Friday Night in San Francisco“, ebenso an wie an die coolen Latin-Hits von Tomatito, Joao Bosco und Egberto Gismonti oder an Astor Piazzolla,
den Meister des Tango Nuevo.

Armin Ruppel hat in den 80er und 90er Jahren mit Soul- und Pop-Acts wie George McCrae, The Four Tops, The Platters und Modern Talking gearbeitet. Danach hat er ein Dutzend CDs mit akustischer Gitarrenmusik veröffentlicht, neben seinem Latin-Flamenco-Repertoire auch eine Serie zu den Großmeistern der Klassik, Bach, Mozart, Vivaldi, Chopin und Haydn.

Armin Woods ist ein wahres Kraftpaket am Piano. Der bayerische Amerikaner hat nach klassischer Ausbildung als Endorser für führende Hersteller weltweit Konzerte gegeben, für Stars wie Stevie Wonder oder Quincy Jones ebenso wie bei den bedeutendsten Events der Musikbranche, z.B. auf der NAMM Show Anaheim/USA, der British Music Show London oder in der Tokio Radio Hall.

CD ¡Sundance!
"Echt super. Sehr anspruchsvolles Material und zugleich eine entspannte Stimmung. Diese Musik ist nicht nur gut, sie tut auch gut."
Claus Altvater, President Songsurfer Corp., Executive Producer von Al Di Meola
 

"Unglaublich präzise und auf den Punkt gespielt. Und eine sehr saubere Produktion."
Carlos Juan, Technical Advisor von Vicente Amigo, Al Di Meola, Carlos Santana, George Benson, Eric Clapton u.v.a.

Milo (Mark Milotich) ist Singer/Songwriter mit warmer Baritonstimme und klarem Gitarrensound. Seine Songs sind persönlich, ausdrucksstark und zutiefst ehrlich. Der aus Philadelphia stammende Sänger lebt nach Stationen in Schottland und der Schweiz heute in Oberbayern.

In einem abwechslungsreichen Programm präsentiert er Eigenkompositionen, die malerisch Geschichten erzählen, von verlorener und wiedergefundener Liebe, von glücklichen Zufällen und einem Leben, das trotz allem über die Entropie triumphiert. Indie-Folk. Mal rockig. Mal ruhig. Immer authentisch.



Pressestimmen

„Lieder…, die auf Anhieb Nähe schaffen… experimentierfreudig und abseits des Mainstreams.“
—Weilheimer Tagblatt

„Eine gute Portion James Taylor, Eagles und Jackson Browne, verrührt mit einer Messerspitze des Geistes von Leonard Cohen, etwas von der Magie von Joni Mitchell und einem Hauch von Dylan darüber.“
—Münchner Merkur

„...mit seiner Akustik-Gitarre und einer Mundharmonika begeisterte er die Zuhörer mit eigenen Kompositionen, die an berühmte Liedermacher wir Ralph McTell, Gordon Lightfoot oder Kris Kristofferson erinnern.“
—Weilheimer Tagblatt

Der Münchner Fingerstyle-Gitarrist und Liedermacher Gerald Feind
https://gery-feind.de
lädt zum gemeinsamen Liederabend mit Poetry-Künstlin Sohpie Kompe https://sites.google.com/view/kompe/home
und Gitarrenpoet Jens Drescher
https://saitensound.de
In einem Reigen aus Musik, Erzählung und spontanen Anekdoten präsentieren die drei KünstlerInnen Geschichten aus dem Leben, dem alltäglichen Wahnsinn und ihren kleinen sowie großen Ausbrüchen. Virtuose Klänge treffen hier auf geschliffene Reime und poentierte Episoden auf nachdenkliche Töne.

Foto: Sandra Tamas

Das Duo besteht aus Bernd Detzel, Saxophon und Saman Vossoughi, Gitatrre &Loops. Lässiger,  ausgelassener, easy-listening Jazz.
Das Repertoire beinhaltet Musikstücke aus der Swing-, BeBop-, Blue Note Ära, sowie Bossa Nova.
Die Besonderheit des Duos liegt in der Erzeugung eines Quartett Sounds ,der durch den Einsatz eines Loopers möglich wird.

Manuel Schubert, geboren 2001 in München, entdeckte seine Leidenschaft für die Gitarre schon in frühester Kindheit und begann eine Reise durch viele Genres von Rock und Pop über Blues und Jazz bis er schließlich seine Leidenschaft für die klassische Musik entdeckte. Diese führte Ihn an
die Hochschule für Musik und Theater München, wo er im Juni 2024 sein Studium abschloss.
Seine Konzerte zeichnen sich dabei durch eine intime Stimmung aus, die es Manuel Schubert ermöglicht, seine Faszination für die Klangvielfalt, aber auch für die Verletzlichkeit der Gitarre mit dem Publikum teilen zu können.
Die große Vielfalt der Genres, in denen er sich bewegt, bereichern zudem seine Konzerte mit großem Abwechslungsreichtum und geben diesen einen individuellen Charakter.

Au Revoir Reutlingen - Mit sechs Saiten unterwegs
Boris Ruge feiert Premiere: diesmal mit seinem Repertoire an Instrumentalwerken und einigen ganz neuen Liedern dazu! Klänge, Melodien, Rhythmen: Eine Seelenlandschaft in Tönen. Melancholisch, groovy, urban, rockig, traurig, fröhlich und mit einem virtuosen Augenzwinkern dabei. An klassischer Gitarre ausgebildet von Kindesbeinen an, dann Jazz studiert und schon immer den Blues und die Folkmusic geliebt, lässt Boris alle diese Einflüsse in seine Kompositionen einfließen und zaubert daraus seinen Sound. Und.....er gewährt einen Blick hinter die Kulissen in das Leben eines Blues-Theater und Strassenmusikers. Geschichten, die alleine schon ein Abend für sich wären. http://borisruge.de/

Magnus und das blühende Leben sind eine aus improvisationsfreudigen Musiker:innen und einem Liedermacher bestehende Band aus München. Ihre Songs sind ein eigensinniger Mix aus Pop, Chanson, Funk, Folk und sphärischen Ausflügen, der die poetischen Landschaften der deutschsprachigen Texte immer wieder neu interpretiert. Ob geschüttelt oder gerührt: ihre Musik vermag Synapsen anzuregen und der Aufgeregtheit dieser Welt die Stirn zu bieten. https://magnuswelt.wordpress.com/

Jazz ConClave, ein neues Latin-Jazz Kollektiv aus München, stellt sich dem Publikum vor.

In der Besetzung mit Flöte, Vibraphon, Bass und zweimal lateinamerikanischer Percussion erinnert das Quintett an die Musik von Cal Tjader und Dave Valentin, besitzt aber mit frischem Sound und eigenen Kompositionen eine besondere Unverwechselbarkeit.

Die Musik – mal schwebend, mal dynamisch treibend – ist eine ohrerfrischende Mischung aus Jazz, Latin und Salsa. Durchwoben von eingängigen Themen, lässt sie sich nicht eindeutig in gängige stilistische Schubladen des Jazz einordnen, setzt sich aber möglicherweise gerade deshalb im Gedächtnis der Zuhörer fest. Davon überzeugt sich jeder am besten selbst live.

Kostproben gibt es hier: https://soundcloud.com/munichjazzconclave

Anlässlich des Weltfrauentags 2025 lädt ars musica zu einem französischen Chansons-Abend. Lea und Pierrot singen und spielen uns eine Hymne an die Liebe in all ihren Fassetten.
Lea ist eine begnadete Chansonsängerin „A la Piaf“ und Pierrot ein langjähriger Begleiter bekannter „Manouche und Zigeuner Ensembles aus Südfrankreich am Klavier.
Sie werden für uns emotional und schwungvoll die schönsten Liebeschansons von Edith Piaf, Barbara, Jacques Brel, Céline Dion, Gilbert Bécaud, Bourvil, Claude Nougaro u.a. vortragen.
Ein einmaliges, authentisches Konzert zu diesem besonderen Anlass.

Moderation und Übersetzungen Edith Fellmann.

Mit rassiger Flamencogitarre und virtuosem Violoncello und Bandoneon, mit leidenschaftlichem Gesang, Percussion und feurigem Tanz wird dem Thema der Liebe einen Abend lang gehuldigt.
Amor! Amor! Amor! das sind romantische, humorvolle, spannende, erotische, freche, süß-melancholische, lebenslustige Lieder aus Spanien und Lateinamerika. In den Rumbas und Volksliedern, in den Romanzen und Balladen und natürlich im Flamenco, seinen Guajiras und Colombianas, seinen Sevillanas und Tangos finden wir das Thema der Liebe in allen Spielarten vor: von Liebesglück und Liebesleid, von verlorenen Illusionen, erfüllten Hoffnungen, verpassten Gelegenheiten, gestillter Sehnsucht und Träumen, Träumen, Träumen ...

Großes romantisches Kino mit „Carmen-Inventar“ aus Vollmond, Kastagnetten und Torero verschmilzt mit kleinen sympathischen oder (n)e(u)rotischen Liedern über Liebende und Leidende, Heilige und Sünder, über Protagonisten im Welttheater der Liebe.
Federico Garcia Lorcas leidenschaftliche „Sonette der dunklen Liebe“, Strophen des großen Poeten der Liebe Pablo Neruda, betörende spanisch - sephardische Romanzen-Verse des Mittelalters wechseln mit bildreichen, einfachen doch eindringlichen Strophen der traditionellen Flamencomusik und Liedern spanischer Cantautores. Ein Abend, der Liebe gewidmet.

Leicht war’s noch nie, wenn man fremd(artig) war im Süden – ob als Neandertaler in der Steinzeit, als Hexe im Mittelalter, als Saupreiß im Königreich oder als Zuazog’ner in der Neuzeit.
Um da einen Hax auf den Boden zu kriegen, braucht es Robustheit, Ausdauer und vor allem eine profunde Kenntnis der landestypischen Sitten und Gebräuche.
25 Jahre hat Björn Pfeffermann schon durchgehalten– der gebürtige Franke im altbayerischen Exil. Höchste Zeit, Bilanz zu ziehen!
Seine hart erworbenes Survival-Wissen verpackt Björn Pfeffermann in lustige Geschichten – perfekt austariert zwischen Kabarett, Comedy und Ausdruckstanz. Dabei helfen ihm die drei Publikumslieblinge aus den letzten Programmen:
– Der Riesenbärenklau, die invasive Pflanze mit Migrationsvordergrund, die vor Kraft nur stehen kann.

– Roger Diederichs, der dauerempörte Hamburger Kulturkritiker, vor dessen beißenden Tiraden nichts und niemand sicher ist.

– Hubert Grindelwald, der Münchner Lokalpolitiker: Traditionalist und Populist in einem. Perfekt qualitfiziert für die bayerische Politik.
Nach ein paar kinderleichten Übungen kann am Ende des Abends jeder:
– Weißwürst schnupfen

– Brezn einhändig endknoten 

– Die Bayernhymne mit Bier gurgeln

Haxnhammer – der Survivalguide für alle Fremden, Neig’schnmeckten, Zuagroaßten und auch für Einheimische, die Spaß verstehen. Denn a rechte Gaudi is’ scho!

Foto: Susanne Baumgartner

Schon mit den ersten Tönen gelingt es Stefan Grasse sein Publikum zu berühren.
Mit „Inner Sound“ beginnt eine Reise von inneren Klangwelten zu neuen musikalischen Ausdrucksweisen. Mit Hilfe von elektro-akustischen Effekten und Samples bettet der Künstler die natürliche Akustik seiner Gitarre in sonore Klanglandschaften. Neben atmosphärischen, flirrend farbigen Solostücken kombiniert Grasse in seinen „Soundscapes“ mehrere Instrumentalstimmen zu vielschichtigen, pulsierenden Kompositionen.

Dabei wird er zum musikalischen Geschichtenerzähler, schildert Stimmungen der Natur oder lässt Eindrücke einer Alpendurchquerung in „Lontano e oltre i monti“ aufleben. Bei der Komposition „Inner Sound“ bezieht er sich nicht nur auf eine kontemplative innere Klangvorstellung, sondern auch auf den gleichnamigen Fjord bei der Insel Skye in Schottland, wo er ein Jahr lang lebte.
Die Metamorphose, der Übergang vom Meer zum Land versinnbildlicht die Veränderungen des Klanges, die Stefan Grasse an seinen Instrumenten und Kompositionen vornimmt.
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"Stefan Grasse braucht kein Rhythmusinstrument, kein Schlagzeug, er beschränkt sich allein auf die Gitarre, mit der er zuweilen den Eindruck erweckt, als spiele ein ganzes Orchester. Stefan Grasse ist ein Phänomen, ein Perfektionist und Könner auf seinem Instrument."
Robert Unterburger Donaukurier 28.04.2023

Das letzte Konzert 2024 bevor ars musica in die Winterpause geht und die Kühnemann freut sich in ihrem liebsten Musikverein ein Konzert zu spielen.
Der Termin, so kurz vor Weihnachten, ist auch ganz bewusst gewählt:
Die Kühnemann hat gerade ihr Album "Zeitlos" veröffentlicht und die CD ist so schön geworden, also nicht nur die Musik, sondern auch das Artwork, dass sie ein tolles Geschenk ist für Leute die noch nicht alle Geschenke beisammen haben ;-)

Worum gehts eigentlich:
Wie wäre es wohl James Dean zu sein? Dann wäre unser Leben leider schon längst vorbei. Wie viel Power steckt eigentlich in der Angst? Ist die schöne neue Welt wirklich so schön? Wo erleben wir eigentlich den Perfekten Tag? Wäre ein Leben ohne „Vielleicht“ ein besseres Leben?
Die Kühnemann versteht es auf ihre unnachahmliche Art die unangenehmsten Wahrheiten, so zu verpacken, dass dann alles nicht mehr so schlimm ist.

Sie entschuldigt sich für ihren Straßenhund aus Rumänien, erzählt uns von Hans, dem Techniker, der Zeit seines Lebens einen ziemlich guten Schutzengel gehabt haben muss und sie singt natürlich immer wieder von der Liebe - die zeitloseste Sache der Welt.
Das „ZEITLOS“ ist das Los, das wir alle im Leben ziehen: Gewinn oder Niete, furchtlos oder ängstlich, vom Pech verfolgt oder vom Glück überrannt. Hol Dir Dein Los ab, bei der Kühnemann ist für jede und jeden was dabei.

Die Kühnemann war viele Jahre ein Drittel der Musikkabarettgruppe Les Derhosn und gründete ein Chansonduo. Das macht sich auch in ihrer Solo Performance bemerkbar. Sie ist nicht nur Lieder-Macherin, sie spielt und lebt die Lieder auf der Bühne aus.
Mit viel Witz und Charme moderiert sie durch das Programm, begleitet sich mit Western-Gitarre und Loop-Station und ihre unverwechselbare Stimme kann auch zu Tränen rühren.

Am 10.Oktober durfte die KÜHNEMANN PRAKTIKANTIN bei
Martina Schwarzmann im Circus KRONE sein.
Zu sehen gibt es das hier: https://youtu.be/vdWxQFB5aBc

Die zweite Solo-CD ist am 18.10.2024 auf dem Label MON MARI ET MOI Records erschienen.
Die Lieder darauf sind so unterschiedlich wie das Leben eben ist. Mal rockig, romantisch, traurig und dann wieder mit viel Humor und Augenzwinkern.

Gar wunderbare Musiker konnte sie für die CD-Produktion gewinnen:
Alex Haas (Hochzeitskapelle), Saschmo Bibergeil (Dr.Will & the Wizards) Johann Bengen (Monaco Bagage), Wolfgang Peyerl und Volker Giesek (Ecco DiLorenzo and his Innersoul), Tom Peschl (Nick Woodland Band), Boris Ruge, Hubert Hofherr und Christian Höck, der Phonoboy saß an den Reglern.

Das Schimmer Trio bringt auf erfrischende Art und Weise drei dynamische Ausnahmemusiker zusammen, die es sich zur Aufgabe gemacht haben die Grenzen zwischen Jazz, Tango und Klezmer kammermusikalisch und improvisatorisch neu auszuloten.

Minimalistisch im Groove mäandert dieses Trio durch unerhörte Landschaften, die den Zuhörenden durchaus vertraut erscheinen mögen und gleichzeitig, wie im Fluss, die unterschiedlichsten musikalischen Farben zum Schimmern und Leuchten bringen.

Mit Evelyn Huber an der Harfe (ehemals Quadro Nuevo), Gustavo Strauß an der Geige (Paranormal String Quartet) und Jakob Lakner an Klarinette und Bassklarinette (Yxalag Klezmerband)

Seit Jahren bereichert Malis die Münchner Musikszene.
Das breitgefächerte Programm umfasst Swing- und Jazz-Klassiker, Bossa Nova, Blues, Balladen
und Songs von Amy Winehouse, Sade, Adele, Cindy Lauper und Hildegard Knef.
Sie werden von Malis mit ausdrucksstarker Stimme von - sanft bis kraftvoll - immer wieder neu interpretiert.
Sie lässt die Zeiten von Cole Porter, Duke Ellington, Billie Holiday und Ella Fitzgerald wiederaufleben.
Die Band garantiert mit Spielfreude - in kleiner oder großer Besetzung - ein eindrucksvolles musikalisches
Erlebnis aus der Musikgeschichte von Jahrzehnten.
Leidenschaftlich und variationsreich wird sie von ihren Musikern begleitet.
Weitere Infos und Hörproben auf der Homepage.
youtube-Videos:
https://www.youtube.com/channel/UCBpMO2-KsBYNakxZ2vQMQLA

Zum ersten Mal zusammen musiziert haben Andreas Hirth (Geige) und Karin Füssel (Akkordeon) anlässlich eines Stadtteil-Kulturspaziergangs.
Weil das gemeinsame Spielen so viel Freude bereitete und es auch viel begeisterte Rückmeldung aus dem Publikum gab, folgten weitere Auftritte.
Die musikalischen Wurzeln und Aktivitäten der beiden sind vielfältig und so vereint auch das Programm verschiedenste Stilrichtungen: Sie hören Klezmer, Tango, Musette und auch irische Volksmusik.
Lassen Sie sich einladen zu einem vielfältigen und mitreißenden Ladenkonzert!

Foto: Kerstin Scheller-Kieburg

Der Zauber der orientalischen Klangwelt verbunden mit dem Feuer der spanischen Gitarre. Eigene Kompositionen, arabische Klassiker neu interpretiert, Flamenco im Dialog mit den Klängen der Oud ... MAQAMUNDO steht für eine Musik, die orientalische und westliche Kultur verbindet. Orient und Okzident gehen fließend ineinander über und Neues entsteht.

Im Zentrum dieses Konzertabends steht MAQAMUNDOs neues Album "Time Traveler". Wie ein freier Vogel durchstreift die Musik hier verschiedene Kulturen und Zeiten, baut Brücken und erkundet dabei stets neue klangliche Landschaften. Die Musik zeichnet stimmungsvolle Bilder und weckt Emotionen wie Freude, Hoffnung und Sehnsucht - sei es nach der Heimat oder unbeschwerten Kindertagen…

Dieses Album markiert einen spannenden, neuen Abschnitt für die Band, da sie erstmals auch mit eigenen Liedern aufwartet. Die Sängerin Laura Sánchez Serrano bereichert an diesem Abend als Guest Artist mit ihrer warmen Stimme diese neue Facette des typischen MAQAMUNDO Sounds.

Nach eigenen Angaben entspringen die Eigenkompositionen der Freiburger Haid Park Band dem “magischen Dreieck aus Blues, Rock und Funk”.
Für das ungeübte Ohr klingt es eher wie eine Mischung aus Green Day und der Spider Murphy Gang, nur in fremdländischer Sprache, nämlich Englisch.
Die Musik kommt mal groovy und unterkühlt daher, dann wird wieder ordentlich eingeheizt. Die Haid Park Band bietet ein Wechselbad der Gefühle.

Vieles dreht sich um Arie, dem Sänger mit dem Goldkehlchen, der auch Gitarre spielt und Songs beisteuert, und um Peter, der sich in gleicher Art einbringt, wobei das Gold in seiner Kehle zuweilen an Katzengold erinnert. Nicht zu übersehen und nicht zu überhören sind auch Detlef am Bass und Erich am Schlagzeug. Gerade hat die Band die erste CD abgeliefert, die genauso heißt wie die Tour, nämlich “The People Come and Go”.
Und ihre liebsten Coversongs hat die Band auch dabei.

Erlebt mit uns ein Musikerlebnis, das eure Sinne bereichert.
Wir präsentieren euch Alamto
Eine wundervolle Verbindung von Jazz und Klassik mit orientalischen Klängen – das Live-Erlebnis der besonderen Art!

Unter der Leitung des visionären Komponisten Hadi Alizadeh entfaltet sich dabei ein einzigartiger Dialog zwischen Instrumenten und Kulturen.

Mit Klaus Neubert an der Gitarre, Gustavo Mendoza an der Querflöte und Michael Schmidt am Bass, verspricht dieser Abend, ein akustisches Kunstwerk zu werden.

Alamto entführt euch in eine Welt, in der sich westliche und orientalische Musik vereinen.

Shakti und Mathias Paqué sind MON MARI ET MOI können kein französisch und spielen »Lieder aus der tiefsten Provinz«.

Da kommen sie nämlich her. Mitten aus dem Pfälzer Wald.
Daher, wo nachts die Sterne heller leuchten.
Welche Schublade könnte passen? Für Musikkabarett sind sie nicht albern genug, fürs Liedermachergenre wird auf ihren Konzerten eindeutig zu viel gelacht. Vielleicht Kleinkunst-Pop oder allerneuste deutsche Welle ohne Elektronik?
So oder so, die Wahrscheinlichkeit, sich nach einem MON MARI ET MOI-Konzertbesuch besser zu fühlen als vorher, ist sehr hoch.
Shakti (Gesang, manchmal auch Pianica und Autoharp) & Mathias (Gitarre, Gesang und andere Effekthaschereien) spielen Lieder, die ein kleines Schlupfloch aus dem Alltag bieten. Eigenwillige Songs, manchmal bisschen Dada, die durch wunderliche Geschichten zusammengehalten werden. Geschichten vom richtigen Pink, Gute-Laune-Verbreitern, Mädchen mit Provinzohrringen, dem Highlight der Woche, Schokoladeneis oder Tanzflächenrandsitzern.

Wer Lust auf einen schönen Abend verspürt, kann sich bei einem MON MARI ET MOI-Konzert wunderbar aufgehoben fühlen.
Sie waren gleich vier Monate auf der Liederbestenliste!

Übrigens: Weil sie in der Nähe zur französischen Grenze wohnen, einen französischen Nachnamen tragen und »MON MARI ET MOI« eindeutig besser klingt als »mein Mann und ich«, hat sich Shaktis Oma diesen Namen ausgedacht. Ihre Lieder sind aber alle auf Deutsch, weil sie gar kein Französich mehr können und erst wieder einen Kurs besuchen müssten. Das geht im Moment nicht, weil sie jede Woche irgendwo in Deutschland auftreten.

Gisela Huwig schreibt im LEO-Magazin der Rheinpfalz:
»Gute-Laune-Musik, die auch ohne Heile-Welt-Lieder auskommt! Das scheint das Erfolgsgeheimnis von Shakti und Mathias Paqué alias MON MARI ET MOI zu sein. Die Botschaft ihrer oft humorvollen Lieder ist authentisch, so wie das Leben selbst. […] das Singer-Songwriter-Paar aus Kaiserslautern kommt mit seinen Liedern, die mal frech gegen den Strich bürsten, mal warmherzig bezaubern, bei einem wachsenden Publikum weit über die Grenzen der Pfalz gut an.«

Hier heisst es früh buchen!
Es gibt GENAU 35 Plätze und die sind auf jeden Fall schnell voll.
Wer zuerst kommt hat das Glück Philip Bradatsch zu erleben.
Er ist unser Eröffnungs-Schmankerl der neuen
LADENBÜHNE im Herzen von Sendling.

AUF JEDEN FALL RESERVIEREN. Wer spontan kommt muss draussen bleiben und das täte uns dann aber wirklich voll leid.
BITTE reservieren unter 089 / 57 089 730

„Hören wir hier den deutschen Bob Dylan? Philip Bradatsch aus München wandelt auf den Spuren

des großen Meisters, ist wortgewaltig, spielt mit Metaphern und jongliert mit der deutschen

Sprache wie kaum ein anderer. Trotzdem hat Philip Bradatsch seinen ganz eigenen Zugang zur

amerikanischen Songwritertradition."
Radio Eins.RBB-Berlin

Begleiten Sie uns auf unserer musikalischen Reise in ein Land voll Schönheit, Anmut und Tiefe!

Inmittten einer riesigen Wasserfläche ein paar winzige Inseln, die auf einer Ausdehnung von nur 700 km fast alle Klimazonen der Erde, eine berauschend schöne Natur und eine uralte und immer noch gelebte Kultur beheimaten - das alles ist Hawai´i.

In der bis ins frühe 19. Jahrhundert schriftlosen Kultur Hawaii´s hatten Tänze und Lieder die Aufgabe, die spirituellen Wurzeln der Menschen zu nähren, Geschichte lebendig zu halten und Wertvorstellungen an kommende Generationen weiterzugeben.

In ihren Texten und ihrer Vielfalt bilden sie bis heute die gesamte Lebenswelt des hawaiianischen Universums ab. „Hula is life“ bedeutet sowohl, dass der Tanz Leben spendet, als auch, dass er mit seinen Inhalten das ganze Leben umfaßt.

Im ersten Teil des Abends soll unser Fokus auf dem Verhältnis der Hawaiianer zu ihrer Umwelt liegen, im zweiten Teil stehen unsere besonderen Lieblinge auf dem Programm.

Aloha kakou! E komo mai! Herzlich willkommen.

Das Münchner Jazzensemble Justyn Tyme nimmt seine Zuhörer mit auf eine musikalische Reise in die Welt angesagter Sounds.
Eigene Kompositionen zwischen Modern Jazz, Funk, Latin und Weltmusik prägen den Sound der Band.
Drums und Bass weben einen dichten, dynamischen Teppich, Posaune und Saxophon als Frontline legen jazzige oder lyrische Melodielinien darüber, und das funkige Keyboard führt Harmonien und Rhythmik zu einem unverwechselbaren Groove zusammen. Dazwischen zeigen die Musiker ihre Spielfreude im Sinne des Wortes, experimentieren mit exotischen Instrumenten wie Berimbau, Dream Pipe und Kalimba oder improvisieren mit Blues Harp oder Maultrommel. Für diesen individuellen Sound steht die Münchner Band seit vielen Jahren und tourte damit durchs In- und Ausland.

Ecco DiLorenzo kennt man in der Münchner Szene als Soul- und Blues-Sänger.
Ecco Meineke als Folkmusiker.

Und beide Personen sind dieselben!



In seinem „Ecco-Land“ (www.eccoland.de)
 kann man nachlesen, wieviele Bands er schon gegründet
hat, vom Trio bis zur Big Band und was er sonst noch tut (Comedy, Filmmusik, Galerist,
Schriftsteller und Salsa-Lehrer)


Seit einiger Zeit leistet er sich das Vergnügen, back to the roots zu gehen und das zu machen, womit er begann:
Allein mit seiner Gitarre die Klassiker seiner Idole spielen:
Von James Taylor bis Paul Simon, von David Bowie bis Billy Joel, 
von Bob Dylan bis zu den Beatles, von Prince bis Robbie Williams, 
Oasis, REM, Tom Petty u.v.a.


Der Rhythmus ist der Herzschlag, und das Herz schlägt für Latin, Funk, Brasil, Cubano, Afrikanisch... Brass ’n Stick sind neun PercussionistInnen und fünf BläserInnen: zwei Saxophone, Trompete, Posaune und Tuba.

Bei Brass ’n Stick, der Name sagt’s schon, geht es um Blasinstrumente und Trommeln. Die neun Damen und Herren an den Perkussionistrumenten kennen sich seit vielen Jahren aus der früheren Formation Quizumba, sind von daher mit Samba und Straßenmusik vertraut. Seit 2015 verschmilzt die Band meist traditionell fundierte Rhythmen mit den Melodien einer Bläsersektion. In der Synthese der erdigen Trommelgrooves mit manchmal fröhlichen, manchmal funkigen, aber immer swingenden Melodien entfaltet sich etwas Neues und eine jazzige Freiheit entsteht.

Die Musik, die Brass’nStick auf die Bühne bringt, ist nicht nur etwas für Kopf und Ohren, sie geht auch in die Beine und lädt zum Tanzen ein.
Drei Surdos und eine Tuba übernehmen in der Regel die tiefen Register der Basslinie; Congas, Bongos, Timbas und die Posaune die mittleren Stimmen.
Caixa und Repinique, Agogo und Shaker stützen Saxophone und Trompete in den hohen Stimmlagen.

Der Berliner Komponist und Kontrabassist Jaspar Libuda stellt zusammen mit seinem Akkordeonisten Daniel Moheit das aktuelle Duoalbum
"Alarm auf der Zeitwacht" vor, das auf dem Berliner Label Cinematic Bass Music erschienen ist.
Das Duo malt Klangbilder in der ungewöhnlichen Besetzung von Kontrabass und Akkordeon. Es entstehen musikalische Geschichten ohne Worte. Geschichten, die Platz lassen für die Gefühle und Assoziationen ihrer Zuhörer. Jaspar Libuda spielt auf einem für ihn speziell in Deutschland gebauten und zugeschnittenen fünfsaitigen Kontrabass mit hoher C-Saite.
Daniel Moheit spielt auf einem in Italien gebauten chromatischen Knopfakkordeon.

Die beiden Musiker verbindet eine mehr als zwanzigjährige Zusammenarbeit. Die bildhaften Kompositionen auf dem aktuellen Album des Duos stammen von Jaspar Libuda und Daniel Moheit. "Jahrhundertwunder", "Die kleine und die große Schwester", "Tagebuch einer Reise" und die anderen musikalischen Kapitel scheinen von einem Buch der Geschichten ins Ohr zu fließen mit leichten, leuchtenden und dunklen, nachdenklichen Themen. Dabei verschmelzen Kontrabass und Akkordeon zu einem überraschenden Dialog, in dem beide Musiker ihre Instrumente in einem anderen als den üblichen Kontext verwenden.

Jaspar Libuda bringt das gewaltige Streichinstrument zum Singen. Gezupft und mit Bogen, von den tiefsten bis zu den höchsten Tönen, erzeugt er Klangfarben die an Cello, arabische Laute oder elektrische Gitarre erinnern. Im Spiel von Daniel Moheit wird das Akkordeon zur Stimme, zum tragenden Bass, zum Bandoneon und Perkussioninstrument. Transparente, filigrane Klangfäden wechseln sich ab mit dichten, orchestralen Passagen. Freie, pulsierende Motive entwickeln sich zu rhythmischen Eskapaden. Bildhafte Übergänge, fließende Linien und dramatische Gegensätze machen die Kammermusik von Jaspar Libuda und Daniel Moheit zu einer spannenden Form klanghafter Geschichten. Nachdem sich Jaspar Libuda in den letzten Jahren vor allem seinem Kontrabass-Solo-Projekt und internationelen Auftragskompositionen für Film und Tanztheater widmete, arbeiten die beiden Musiker derzeit an Ihrem zweiten Album. Eine viersätzige Komposition von Jaspar Libuda, die das Duo erstmalig im Sommer 2019 live vorstellte, ist ebenfalls für eine Aufnahme geplant. Ebenso die Fertigstellung des neuen Albums für 2025.

"Musik von eindringlicher Schönheit. Kein Ton zuviel, keiner zu wenig. Der Berliner Bassist und Komponist Jaspar Libuda gehört zu den besten seiner Zunft."
Ulf Drechsel, kulturradio vom rbb

"Musik, die ganz eigene, fantastische Filme in unsere Köpfe zaubert."
Marion Brasch, radioeins

"Libudas Stücke entwickeln einen Sog, dem man sich nur schwer entziehen kann."
Olga Hochweis, Deutschlandradio Kultur

"Libuda entwickelt einen Klangsog, der kongenial die Gefühle, den Schmerz und die Liebe, die Idealwelten und Realzwänge begleitet und weiterführt."
Eva-Maria Magel, Frankfurter Allgemeine Zeitung

Vom funkigen Boarischen bis hin zum handgemachten Techno

In einer musikalischen Power-Show versprühen die Spui´maNovas freche, bayrische Tanzmusik in unkonventioneller Besetzung aus traditionellen und modernen Instrumenten. Der Name Spui'maNovas leitet sich aus der Aufforderung, noch ein Stückl zu spielen und Bossa Nova ab, was wiederum die Lust, neben der Tradition auch Neues auszuprobieren und Tanzmusik zu machen, widerspiegelt.

Mit dem Familienunternehmen Spui´maNovas vereint Stefan Straubinger Altes und Neues, indem er selbstkomponierte Stücke und Traditionals in groovige Arrangements packt. Er ist in der bayrischen Volksmusik verwurzelt und inspiriert durch verschiedenste Musikstile.

Zur Musikerfamilie gehören Stefan Straubinger (Bandoneon, Drehleier, Maultrommel), Eva Straubinger (Dudelsack, Klarinette, Blockflöte) sowie die Söhne Fridolin (Posaune, Gitarre) und Dominik (Drumset, Percussion, Violine).
Ergänzt wird das Ensemble je nach Anlass mit diversen Gastmusikern an Bass, Gitarre und Saxophon.

Spui’maNovas ist sowohl konzertant, als auch zum Tanz ein unvergessliches Erlebnis.

Foto: Sigrid Reinichs

Der Blues ist die Urquelle des Jazz und der gesamten Popularmusik. Wir präsentieren mit unserem Programm ein Jazz-Kaleidoskop der unzähligen Schattierungen des Blues. "While the European tradition strives for regularity - of pitch, of time, of timbre and of vibrato - the African tradition strives precisley for the negation of these elements." (Ernest Borneman)
Der Blues ist die Begegnung von afrikanischer Pentatonik und europäischem Zwölftonsystem im Schmelztigel Amerika. Diese kraftvolle musikalische Synthese ist die Grundlage für den Jazz, Rock ́n Roll, Rock, Pop, Hip Hop, you name it.
Es gibt nur wenige Musiker in Europa, die den Blues in all seinen Höhen und Tiefen, seinen Spiel- und Leidensarten so erforscht haben, wie der Trompeter, Pianist, Sänger, Komponist und Arrangeur Johannes Faber.

Johannes Faber wurde 1952 in München geboren und studierte Trompete und Komposition in München, Graz und Boston. Er arbeitete in Erwin Lehns Südfunk-Tanzorchester Stuttgart(1980-90) und in der NDR-Bigband(1990-96), sowohl als Solotrompeter als auch als Komponist und Arrangeur. Johannes Faber komponierte die Filmmusik für „Rallye Paris-Dakar“ und gründete die Rockjazz-Formation CONSORTIUM mit Billy Cobham dr, Christof Lauer sax, Joerg Reiter p und Dave King b. Er hatte eine Professur an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Hamburg inne. Der Trompeter spielte u.a. mit Chaka Khan, Anthony Jackson, George Adams, Charlie Mariano, Dado Moroni, Konstantin Wecker, dem UNITED JAZZ & ROCK ENSEMBLE und Peter Herbolzheimer’s RHYTHM COMBINATION AND BRASS, komponierte für Michael Ende und wurde mit dem Jazz-Preis Baden-Württemberg ausgezeichnet(1985). Er war auf den großen Jazz-Festivals zu erleben, u.a. beim Jazzfest Berlin, in Montreux und beim Deutschen Jazz-Festival in Frankfurt.

1998 komponierte er die Musik für das Wilderer-Melodram HIAS und spielte die Hauptrolle in einer Produktion des Staatstheaters am Gärtnerplatz(München). Von 2000 – 2012 konzipiert und moderiert er die überaus erfolgreiche Reihe “Jazz im Gärtnerplatz”. Seit 2000 singt und spielt er den Sprecher (Staatstheater am Gärtrnerplatz) und den Sarastro (Opernfestspiele Gut Immling) in Mozarts Oper DIE ZAUBERFLÖTE. Er komponierte 2003 die Musik zu „4 – Ein Tanzevent“, das vom Balletttheater München und dem Orchester in der Choreographie von Philip Taylor mit Erfolg im Repertoire des Staatstheaters am Gärtnerplatz aufgeführt wird. 2006 unterrichtet er Jazzgeschichte am Conservatorio Nicolo Paganini in Genua.
2012 Professur am „Conservatorio Nicolò Paganini“.

SwingBossaChansons mit Augenzwinkern und Tiefgang

"Die Musik von CAFÉ VOYAGE macht Mut, das eigene Leben auszuprobieren, etwas zu wagen und sich nicht auf Second-Hand-Erfahrungen einzulassen!
und ist voll augenzwinkernder Poesie!"
(Süddeutsche Zeitung)

Günter Renner ist ein Songpoet, der auch Zwischentöne kennt. 
Maria Friedrich ist preisgekrönte klassische Cellistin, die über den musikalischen Tellerrand hinausschaut. Klemens Jackisch schließlich ist ein 
versierter und kreativer Jazzgitarrist, der aber auch in anderen Genres zuhause ist.

Als Trio Café Voyage präsentieren sie Geschichten, Lieder und virtuos gespielte Instrumentalstücke in eigener Interpretation, ... mal Chanson und 
Singer-Songwriter, mal Jazz und Weltmusik!
Leidenschaftlich-mitreißend, gefühlvoll-verträumt, kritisch-frech!

Günter Renner
 - Gesang, Gitarre, Songs, Ukulele, 
Blues-Harp, Percussion, Texte

(Liedermacher, internationale Erfolge mit dem New-Age-Music-Projekt ‚Satyam Shant’, Mitglied verschiedener Popbands, nationale Erfolge mit ‚Dem Renner seine Band’, Gründung von 
CAFÉ VOYAGE im Jahr 2013, Preisträger Sendlinger Kulturpreis)

Maria Friedrich
 - Cello, Gesang

(Studium an der HfM Würzburg, Preisträgerin d. Musikalischen Akademie Würzburg u.a., 
Gastspiele mit diversen klassischen Orchestern, festes Mitglied der Ensembles 
‚Ladystrings’ und ‚Gruberich’, Gründung von CAFÉ VOYAGE im Jahr 2013)

Klemens Jackisch
 - Gitarre, Gesang, Songs, Percussion

(Gitarrist und Sänger in diversen Rock- und Folkbands, gitarristische Studien in Jazz, 
Rock und Fusion, Mitglied verschiedener A-Capella- und klassischer Chöre)

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unter mail@ars-musica-muenchen.de entgegen.

Wir freuen uns auf eure Anfragen - und natürlich auch über viel interessiertes Publikum.

Songs of Love & Peace
...weil sie aktuell sind wie nie zuvor und weil es immer Liebe & Frieden braucht

Wir singen Songs of Love & Peace aus Lust und Überzeugung, aus Begeisterung und Freude …

Songs of Love & Peace sind Lieder die um die Welt gingen, Lieder die wir vor "ewiger" Zeit schon gesungen haben, jeder für sich...und mit anderen zusammen...

Songs die wir lieben, von Songwritern geschrieben für ihre Zeiten voll Liebe & Gewalt, zwischen Summer of Love und Vietnamkrieg, zwischen Bürgerrechtsbewegung und Woodstock - das sind Songs of Love & Peace.

Songs von Bob Dylan (Blowin in the wind, The times they are a changing), Leonard Cohen ( Halleluhja), Pete Seeger (If I had a hammer, Where have all the flowers gone, Turn turn,turn), Simon & Garfunkel, Cat Stevens, Crosby Stills Nash & Young, Kris Kristofferson .... Klassiker von gestern – schockierend (immer noch/wieder) passend für unsere heutige Zeit: Krieg, Aufrüstung, Klimakrise, Populismus, Krise der Demokratie, fehlende Solidarität, Antisemitismus... Wir singen sie dagegen, damit es mehr nach Frieden und globaler gemeinsamer Verantwortung tönt. Denn: What's so funny about Peace, Love and Understanding?? 
(Nick Lowe, 1974)

Mit

Elke Brüsch (Gesang) – Berlin: SingerSongwriterin, Chorsängerin

Dirk Trageser (Gesang/Percussion) – Berlin: Gitarre und Gesang bei der international tourenden Band 17 Hippies  Discografie: https://www.discogs.com/de/artist/1673274-Dirk-Trageser

Ricardo Volkert (Gitarre/Gesang) – Ammersee: Mehrfacher Preisträger internationaler Songwettbewerbe, Kopf mehrerer Ensembles rund um die Spanische Gitarre, Flamenco, Poesie.  Www.ricardo-volkert.de

Bernhard Seidel (Kontrabass/Gesang) - München: Klassik, Jazz, Weltmusik, Bayrisch, Bossa & Bolero. Ein mit allen musikalischen Wassern gewaschener Virtuose. http://konzert.name/home.html

Und mit unseren Gästen aus der Ukraine:

Mit ihren Kindern vor dem Krieg in der Ukraine geflohen, haben unsere Freunde bei uns nun zeitweise eine neue Heimat finden können. Sie bereichern mit ihrem außergewöhnlichen musikalischen Können unser gemeinsames deutsch-ukrainisches künstlerisches Friedensprojekt

Alexander Rudyk (Violine) – Ukraine/München: Geiger im Presidential Orchestra, Kiew 

Anna Dontsova (Gesang) – Ukraine /Senden a.d. Iller: Sängerin und Gesangspädagogin. Finalistin bei „Voice of the Ukraine“

Denys Dontsov (Gitarre) – Ukraine/Senden a. d. Iller:  Studiomusiker und Gitarrist des Kiewer Operettenorchesters

Die Quetschenweiber sind wieder da und "Weida geht's!"

Sie laden ein zum Internationalen Frauentag.
Etwas verspätet, aber eigentlich sollte ja jeder Tag ein Internationaler Frauentag sein. Oder nicht?

Bereichert mit Saxofon und Violine spielen und singen sie europäische Strassenlieder, mit Leidenschaft, Witz und Charme.
Weida gehds...
Es darf auch getanzt werden!
Wir freuen uns auf ein Fest des Friedens mit euch !
Nicht nur für Frauen, auch für kluge Männer.

Der Flamenco Gitarrist, Sänger und Komponist Gonzalo Franco ist ein in der Flamencoszene hoch geschätzter Musiker und wird 2024 zum zweiten Mal nach München kommen.
Er eröffnete bereits zwei Konzerte von Tomatito und trat gemeinsam mit Größen wie Jorge Pardo auf, einem Saxophonisten, der über zwanzig Jahre zusammen mit Paco de Lucía spielte. Darüber hinaus begleitete er Tänzer auf höchstem Niveau wie Paloma Fantova, Carmen Ledesma und Torombo.
Fabiana Dominguez, eine Tänzerin aus einer der bekanntesten Flamenco Gruppen Uruguays "Las Manolas“ wird ebenfalls diese Show mit ihrem ausdrucksvollem Tanz bereichern. 
Die Tänzerin Sabine Maria Leitner aus München war bereits 2019 Teil des Ensembles und wird auch diesmal wieder mit Virtuosität, Eleganz und Ausdrucksstärke den Abend mitgestalten. Mit ihrer Flamencoschule Semblanza Tanzstudios, eigenen Projekten mit internationalen Musikern und dem interkulturellen Austausch mit Flamencogrößen wie dem Maestro Joaquin Ruiz, öffnet sie auch als Lehrerin und Choreografin den Raum für neue Impulse und die vielfältigen Ausdrucksmöglichkeiten im Flamenco. 
Darüber hinaus wird der erfahrene Musiker, Gitarrist und Komponist Lupo Danz auftreten, der Gonzalo Franco und Fabiana Dominguez bereits auf zahlreichen Konzerten in Uruguay und Deutschland begleitete.
An diesem Abend wird es Flamenco in seiner pursten Tradition zu hören und sehen geben, ergänzt um Klangfarben Gonzalo Francos eigener Kultur.
Es wird ein besonderer Flamencoabend!

Vier Künstlerinnen gestalten den internationalen Frauentag für ars musica e.V.

Den Anfang macht DIE KÜHNEMANN
Chansoneske Liedermacherin aus München

Eigene Lieder und gut geklaute Chansons mit viel Power und Leidenschaft vorgetragen. 
Das ist DIE KÜHNEMANN.
Sie war viele Jahre ein Drittel der Musikkabarettgruppe Les Derhosn und gründete ein Chansonduo bevor sie anfing Videos nicht nur für sich selber, sondern auch für andere Musikerinnen und Künstler zu produzieren. 
Corona erinnerte sie auf unerklärliche Weise daran, dass sie eigentlich auf die Bühne gehört, obwohl es ja gerade verboten war sich dort aufzuhalten.
Ihre Lieder sind sehr abwechslungsreich, von romantisch über traurig bis rockig, aber immer wieder scheint die Sonne der Ironie und des Humors durch.
Die Kühnemann begleitet sich mit Gitarre und einer Loop-Station und führt mit viel Witz und Esprit durch das Programm. 

https://diekuehnemann.de/

MÄRCHEN DURCH DIE WÖLFIN GEDREHT
Alte Geschichten richtig rum erzählt

Nach Jahrhunderten der falschen Märchenschreibung haben die Münchner Erzählerinnen Gabi Altenbach und Ines Honsel neue Märchen-Quellen entdecken, die den wahren Kern alter Geschichten enthüllen und die Frauen dorthin stellen, wo sie hingehören: nach vorne!
In männergerechter Sprache erzählen sie die Urfassung vieler bekannter Märchen und Sagen und befreien die alten Geschichten von ihrer patriarchalen Staubschicht.
Kommen Sie, hören Sie, staunen Sie, wenn die alten Geschichten endlich wieder in ihrem ursprünglichen matriarchalen Glanz erstrahlen!
https://www.altenbach-honsel.com/

Karin Füssel übernimmt an diesem Abend die musikalische Umrahmung zwischen den Märchen und Erzählungen. 
Ihr Akkordeon wird zum Chamäleon, das sich den Stimmungen des Gehörten anpasst. 
Und diese sind wechselhaft: Lieder, mal schelmisch, mal traurig, strahlend oder klagend, lachend oder swingend.

EINE MUSIKALISCHE WELTREISE

Afrikanische Grooves, chillige Clubmusik, Bossa Nova, Balladen und zum Teil freie Improvisationen - das ist die Bandbreite der 2009 gegründeten Band Kobaya Beach.
Ziel war es, einen Mix aus Chillout, Jazz und Worldmusic zu spielen. Dabei ist genau das entstanden, was die Gruppe heute ausmacht und auf vielen Konzerten das Publikum von den Stühlen holt und zum Tanzen bringt.
Markus Schmidt-Märkl, Albert Frische, Stefan Schwänzl, Udo Schäfer und Karsten Helmbold begeben sich in ihren Konzerten auf eine Weltreise, streifen dabei die Musikstile der verschiedenen Regionen, manchmal mit einem ironischen Augenzwinkern auch die vergangenen Jahrzehnte, im Vordergrund standen von Anfang an eigene Ideen und Stücke.
Wir wollten immer nur unsere eigene Musik spielen. Einfache, ins Ohr gehende Melodien…Herzschlag, Rhythmus, Groove…Groove…

Den Leuten soll es Spaß machen.
Sie sollen mitgehen und tanzen.
Das verbindet uns alle!

Liebe Freundinnen & Freunde von ars musica,

wir machen wieder eine offene Bühne!!
Dazu suchen wir junge Musiker:innen (Einzelmusiker, kleine Bands), möglichst mit eigenem Material, die ihren tollen Song oder ihre Eigenkompositionen vor Publikum im Tannengarten in Sendling zu Gehör bringen wollen.

Die Auftrittszeit beträgt ca. 15 Minuten,  d.h. 3 Stücke könnnen in etwa präsentiert werden. Jeder Act bekommt eine Unkostenpauschale und nach ein paar Monaten suchen wir 2 Projekte aus, die sich dann einen ganzen Konzertabend teilen werden.
Bewerbungen nehmen wir unter mail@ars-musica-muenchen.de entgegen.

Wir freuen uns auf eure Anfragen - und natürlich auch über viel interessiertes Publikum.

The Blues is my oldest friend
Songs vom Beat des Lebens

Die Blue Note ist eine mystische Note zwischen Dur und Moll. Ihr Ruf bringt die Menschen zusammen.
Sie erzählt von Lachen und Weinen, der ganze Schmerz der Welt erklingt in einer Note.
Sie kam von Afrika mit dem immensen Leid der Sklaverei nach Amerika in
einfachen Songs, wo die Menschen die Geschichten aus ihrem harten Alltag erzählten.
Die Songs selbst wurden ein Stück Heimat, gaben ein Stück Würde wieder.
Und nach und nach berührte die Blue Note die ganze Welt.
Die gesamte Rock und Pop Musik und der Jazz entwickelten sich wie ein mächtiger Baum mit vielen Zweigen aus dem Samenkorn des Blues.
Und irgendwann kam die Blue Note auch bei Boris Ruge an und errettete ihn..., statt seine Mathe Hausaufgaben zu machen, begann er im Alter von 10 Jahren Blues Songbooks durchzuspielen. Auf der Gitarre, die er auf dem Kleiderschrank seiner Eltern fand und die nur eine Saite hatte...
Ray Charles, BB King, Nat King Cole, Elvis und die Beatles wurden seine wahren Lehrer.
Boris Ruge folgte dem Ruf und seitdem singt er den Blues in all seinen Farben, mal soulig, mal rockig, mal funky, mal jazzig, dem Beat des Herzens folgend.
"The Blues is my oldest friend, stays with me right until the end where ever I go, where ever I roam the Blues will follow..."

Harfe und Kontrabass,

oberflächlich betrachtet ein Duo wie aus „Die Schöne und das Biest“.
Himmlisch-zarter Sphärenklang trifft auf dunkel-mysteriöse Nachtmusik.

Doch Evelyn Huber und Sven Faller brechen diese Klischees genau so wie sie es lieben, mit ihnen zu spielen.

Da streicht der Kontrabass schon mal engelsgleich lyrische Melodien während die Harfe kraftvoll den erdigen Groove schlägt.

Auch stilistisch überschreitet das Duo alle Grenzen und mischt munter Anleihen aus Allem, was ihr Herz bewegt. Klassischer Impressionismus, Jazz, Pop, Folklore von Irland zum Balkan und Lateinamerikanisches von Tango zu Samba verschmelzen unter ihren spielfreudigen Fingern zu einem berauschenden Cocktail.

Dabei verblüfft, welch unerwartete Klangfarben die beiden Virtuosen ihren Instrumenten entlocken.

Zuweilen meint man, ein ganzes Orchester vor sich zu haben.

Ein besondere Klangreise, die ebenso feurig wie atmosphärisch-meditativ ist.

Sie entzünden ein weltmusikalisches Feuerwerk mit allen nur denkbaren Klangfarben aus einem Spezial-Hackbrett, Saxophon, Klarinette, Querflöte, Gitarre, Kontrabass und Vibrandoneon. Rudi Zapf, Gerhard Wagner, Andreas Seifinger und Stephan Lanius verknüpfen dabei wie selbstverständlich alpine Melodien mit temperamentvollen Latin-Rhythmen oder Balkan-Beats, Walzer-Takte mit flirrenden Flamenco-Arabesken oder Klezmer-Klänge mit swingenden und schier waghalsigen Jazz-Improvisationen. Das Ergebnis ist Weltmusik, die mal temporeich und virtuos, mal locker lässig, aber stets geschmackvoll, überraschend und hochmusikalisch klingt – und immer für eine Überraschung gut ist. Die vier Vollblut-Musiker entstauben alte Melodien und erwecken sie zu neuem Leben, hüllen sie in einen Mantel voller farbiger Harmonien und tränken sie in pulsierende Rhythmen aus Afrika, Brasilien, Spanien, Argentinien, Mexiko oder Cuba.

Tradition – anders aufgefasst und über ihre Grenzen hinausgeführt. Musik, die lebt und durch Generationen hindurch geht. Rudi Zapf & Zapf’nstreich: musikalisch von Welt, in Bayern daheim, auf der Bühne berauschend. Und Zapf garniert das neue Programm mit Wortwitz und Charme.

Auszeichnungen:
Garchinger Kleinkunstmaske

Der Grüne Wanninger

Bayerischer Poetentaler
Deutscher Weltmusikpreis RUTH (Hauptpreis)

PRESSESTIMMEN

Intelligent arrangierte und virtuos umgesetzte, handgemachte Musik, mit so manch augenzwinkerndem Flirt in Richtung Swing, Jazz und Pop. Großartig!
BBC

Es ist ein gewagtes Spiel, verschiedene Stile zu verbinden. Doch “Rudi Zapf & Zapf´nstreich” meistert Stück um Stück, Lied um Lied, verbindet bayerische, russische, amerikanische, lateinamerikanische und afrikanische Volksmusik, Klassik und moderne Stile, wie Jazz.
Ebersberger SZ

Diese zugegebenermaßen wilde Mischung klingt keinesfalls nur willkürlich zusammengestöpselt, vielmehr schafft die Gruppe das Kunststück, trotz verschiedenster Einflüsse ein homogenes Gesamtbild einer völkerübergreifenden Volksmusik zu schaffen.
Fränkische Landeszeitung

MANY MOONS feiern ihr 30-jähriges Bühnenjubiläum

Viele Monde schon tourt die World-Jazz-Band MANY MOONS unter der Leitung der beiden Uttinger Musiker MARTIN SEELIGER und ANGELIKA VIZEDUM in Deutschland und im europäischen Ausland.
Ihr Stil hat sich seit 30 Jahren in der Begegnung mit vielen Künstlern aus Afrika, Amerika und Asien geformt, daraus entstand ein lebendiger Mix aus vielfältigen Rhythmen, Klängen und musikalischen Farben.
Das Quintett erschafft einen offenen World-Jazz der in seiner Vielfalt, Begeisterungsfähigkeit und Kreativität brilliert.
Die Musik ist perkussiv und tanzbar - dann wieder poetisch mit der Magie des Unvorhersehbaren.

Lead-Sängerin und Perkussionistin Angelika Vizedum bewegt sich frei zwischen Yoruba-Gesängen aus Afrika und Jazz-Soul-Blues Themen.
In Verbindung mit den facettenreichen Sax-Sounds und feurigen Soli des Multi-Bläsers Martin Seeliger entstehen so geheimnisvoll-magische Klanglandschaften.
Begleitet und solistisch unterstützt werden die beiden Musiker von drei sensiblen und versierten Kollegen aus München und Augsburg.

Special Guest: Layt Abdul Ameer (Irak)   0ud
und der PEACE TRAIN CHOR

Welche Schublade könnte passen? Für Musikkabarett sind sie nicht albern genug, fürs Liedermachergenre wird auf ihren Konzerten eindeutig zu viel gelacht. Vielleicht allerneuste deutsche Welle ohne Elektronik?

So oder so, die Wahrscheinlichkeit, sich nach einem MON MARI ET MOI-Konzertbesuch besser zu fühlen als vorher, ist sehr hoch.

Shakti (Gesang, manchmal auch Pianica und Autoharp) & Mathias (Gitarre, Gesang und andere Effekthaschereien) spielen Lieder, die ein kleines Schlupfloch aus dem Alltag bieten. Eigenwillige Songs, manchmal bisschen Dada, die durch wunderliche Geschichten zusammengehalten werden. Geschichten vom richtigen Pink, Gute-Laune-Verbreitern, Mädchen mit Provinzohrringen, dem Highlight der Woche, Schokoladeneis oder Tanzflächenrandsitzern.
Wer Lust auf einen schönen Abend verspürt, kann sich bei einem MON MARI ET MOI-Konzert wunderbar aufgehoben fühlen.
Letztes Jahr waren sie gleich vier Monate auf der Liederbestenliste!

Übrigens: Weil sie in der Nähe zur französischen Grenze wohnen, einen französischen Nachnamen tragen und »MON MARI ET MOI« eindeutig besser klingt als »mein Mann und ich«, hat sich Shaktis Oma diesen Namen ausgedacht. Ihre Lieder sind aber alle auf Deutsch, weil sie gar kein Französich mehr können und erst wieder einen Kurs besuchen müssten. Das geht im Moment nicht, weil sie jede Woche irgendwo in Deutschland auftreten.

Gisela Huwig schreibt im LEO-Magazin der Rheinpfalz:
»Gute-Laune-Musik, die auch ohne Heile-Welt-Lieder auskommt! Das scheint das Erfolgsgeheimnis von Shakti und Mathias Paqué alias MON MARI ET MOI zu sein. Die Botschaft ihrer oft humorvollen Lieder ist authentisch, so wie das Leben selbst. […] das Singer-Songwriter-Paar aus Kaiserslautern kommt mit seinen Liedern, die mal frech gegen den Strich bürsten, mal warmherzig bezaubern, bei einem wachsenden Publikum weit über die Grenzen der Pfalz gut an.«

La Vida Loca Nach ein paar Tönen schon träumt sich der von Kälte geplagte Mitteleuropäer jenseits von Schreibtisch und Werkstatt nach Andalusien - Flamenco, Rumba - ans endlos schöne Meer. Ein Abend zum Träumen und Sich Bewegen, mit heißen Klängen für warme Herzen, temperamentvoll, unbeschwert und unendlich leicht...

La Vida Loca – „Das verrückte Leben“ heißt die CD des Ensembles: das verrückte Leben wird in all seinen bunten Facetten auch auf ihren Konzerten besungen. Die Musiker*innen tun das mit Flamenco (Sevillanas, Tango Flamenco, u.a.), mit Rumba-Klassikern wie Porompompero oder Caramba Carambita, mit bekannten Liedern der Gipsy Kings (Bamboleo, Baila me) und mit Klassikern aus Übersee (Moliendo Cafe, La Colegiala, Chan Chan). Auch Hits jüngerer Stars der Szene wie Juanes (La Camisa Negra), Alba Molina (Te quiero mucho) oder Enrique Iglesias (Súbeme la Radio) sind im Programm von La Vida Loca.
Der vielstimmige Gesang und der feurige Flamencotanz werden von Gitarren, Kastagnetten, Bandoneon, Perkussion und dem typischen rhythmischen Händeklatschen (Palmas) begleitet.

Ricardo Volkert & Ensemble: sie nehmen ihr Publikum mit in die heiße Nacht einer spanischen Fiesta, in das maurische Granada und Sevilla, an die Strände der Karibik und an den Tresen einer andalusischen Bodega.

Die Presse über „La Vida Loca“
„Locos por la Rumba riss die Besucher des Vollmond-Konzertes buchstäblich von ihren Sitzen. Ob Sevillana, Fandango oder Rumba, es gibt wohl kaum eine Musikrichtung, die geeigneter wäre ein bis auf den letzten Platz besetztes Lokal derart in Stimmung und guter Laune zu versetzen.“
Ismaninger Rundschau

„Die Band heizt mit lodernden Rhythmen die Stimmung auf, die Tänzerinnen drehen sich in feuriger Leidenschaft, alles klatscht, klopft, schwingt – es ist eine grandiose Fiesta! Sie rasen vor Begeisterung, und wollen die Band samt Tänzerinnen nicht gehen lassen. Immer wieder holen sie sie zurück, um noch einmal die Virtuosität, Ausdruckskraft und das Feuer zu erleben. “
Münchner Merkur

„`La Picarona` begeisterte das Publikum mit ihrer kristallklaren Stimme und meisterhaftem Flamencotanz. Das Kastagnettenspiel, Händeklatschen und rauschende Volants unterstützten den leidenschaftlichen Tanz. Bald bebte die Bühne und die Zuschauer schienen vor Begeisterung den Atem anzuhalten, um bald bei bekannten Ohrwürmern wie `Volare` oder `Porompompero` mitzusingen.“ Geislinger Zeitung

„Geschichten und höchst poetische Verse über die Liebe und das ach so schicksalhafte Leben, die den Liedern zugrunde liegen, weiß Ricardo Volkert den Zuhörern richtiggehend unter die Haut zu reden, bevor er die Melodie dazu anstimmt. Man hört, bestaunt und genießt die sprühenden Klänge, die in wilden Gitarrenkaskaden daher prasseln wie ein großartiges Feuerwerk...“ Alt-Neuöttinger Anzeiger

„Man sagt von anderen Gitarristen, dass sie ´den Blues haben`. Ricardo ´hat den Flamenco´.“ Süddeutsche Zeitung

„Stimmlich grandios und optisch ein Blickfang ist `La Picarona`, die mit Kastagnetten ihre Lieder betont und da und dort eine feurige Tanzeinlage einbaut.“ Alt-Neuöttinger Anzeiger

VOLKER GIESEK  ist Brillenträger und Musiker.
Er mag Walnusseis, das Leben und den ganzen Rest.
Er war zehn Jahre musikalischer Leiter am E.T.A.-Hoffmann Theater Bamberg,
hat CDs mit seiner Band „Colorbox“ und der Münchner Soul Institution
„Ecco DiLorenzo and his Innersoul“ veröffentlicht, schreibt Musik, Songtexte, Blogartikel, ist Dozent der Berufsfachschule für Musik Fachrichtung Pop/Rock/Jazz München, spielt Klavier, singt und verzweifelt bisweilen. Manchmal schläft oder isst er.

Zu Zeiten der Pandemie hat er ein Album mit dem Titel „Alles, was ich weiß“ aufgenommen und davon 2022 jeden Monat einen neuen Song auf Spotify & Co. veröffentlicht. Jazz und Soul und Rock ’n’ Roll. Ohrwürmer, verwegene Wendungen und coole Grooves. Überall Farben! Schön zu hören.
In den deutschen Texten seiner leichtgängigen, mal ernsten, mal ironischen, immer poetischen Lieder begegnet man: Sagenhafter Stille, einem Merengue tanzenden Bleistift, pubertierenden Mikado-Spielern auf hoher See oder himmelblauen Wiesen.
Gemeinsam mit seinen langjährigen musikalischen Weggefährten Thomas Wecker (git) und Wolfgang Roth (Saxofone, Klarinette) stellt er im Tannengarten die schönsten seiner Songs in einer kammermusikalischen Trio-Besetzung vor.

THOMAS WECKER
spielte nach dem Diplom an der „New Jazz School München“ mit vielen Musikern der Münchner Szene in den unterschiedlichsten Besetzungen. Mit seiner Band TRIAZZ veröffentlichte er bereits zwei Alben und ein weiteres mit seinem langjährigen Duo-Partner Wolfgang Roth. Seit 2017 ist er Gitarrist beim „Radiohead Jazz Projekt“ des Munich Modern Jazz Orchestra.

WOLFGANG ROTH
studierte am Berklee College of Music. Spielte live u.a mit Konstantin Wecker, Harald Rüschenbaum, Dusko Goykovich. Wirkte mit bei verschiedensten Opern, Theatern, Musicals und Filmmusiken (u.a mit Gerd Baumann für „Wer früher stirbt ist länger tot“). Er komponierte für Bigband, Orchester und Kammermusik. Aktuelles eigenes Projekt: Quartetto Barinetto.


• Live-Video-Teaser Giesek & Friends

Feurige Latino-Rhythmen, harmonische Stimmklänge und unbändige Spielfreude - das sind AnnaLu & Shavez!

Als „World Music“, bezeichnen AnnaLu & Shavez am liebsten ihren Musikstil.
Sie singen nicht nur auf Spanisch sondern in mehreren Sprachen und haben als Duo auf gemeinsamen Reisen durch verschiedene Länder ihren ganz eigenen, unverkennbaren Stil entwickelt.
Insbesondere die Zeit in Südamerika, in der sie meist als Straßenkünstler unterwegs wa- ren, bringt heute das authentische Gefühl von Freiheit, Sehnsucht und Abenteuerlust ihrer Reisen in die Konzertsäle. Ihre Musik ist fröhlich, emotional, voller Feuer, Passion und Lebensfreude.
Einige Ihrer Lieder zählen Millionen Aufrufe auf Youtube und wurden auf anderen sozialen Netzwerken von vielen Menschen geteilt und verbreitet.
Ein Abend mit AnnaLu und Shavez lockert jede Hüfte, treibt den Puls in die Höhe und lässt auch hin- und wieder keine Auge trocken.

Hermann Beham, Musiker aus München-Giesing
(Ex-Bairisch diatonischer Jodlwahnsinn, Gybsy-Swing Trio „Trio Bardolino“) machte schon „Heimatsound“ in den 90zigern, da war das Wort noch gar nicht erfunden.
Mit seinem neuen Trio „Die Dreiviertler“ treibt er unbeirrt sein Projekt weiter und „schert“ sich was um irgend einen Trend. Bleibt sich seinen Wurzeln treu, doch immer neugierig um „Altes“ zu verändern, auf der Suche nach dem passenden Gefühl für den nächsten Song.
Nach vielen Jahren des Musizierens durch sämtliche Stilrichtungen, kann es schon passieren, das nach einem „Hendrix“- Cover mit bairischem Text ein Jazzstandart folgt und mit einem „Zwiefachen“ endet.
„Die Dreiviertler“ sind immer für eine Überraschung gut und sorgen für gute Laune. Die drei Münchner Musikanten, kommen aus verschiedenen Stadtvierteln,
spielen gerne dreiviertel und andere „krumme“ Taktarten auf unterschiedlichsten Instrumenten.
Denken auch sonst immer etwas um die Eck ́n, nach dem Motto:
„An jedem Eck a ́Gaudi“.

Hermann Beham, Musiker aus München-Giesing
(Ex-Bairisch diatonischer Jodlwahnsinn, Gybsy-Swing Trio „Trio Bardolino“) machte schon „Heimatsound“ in den 90zigern, da war das Wort noch gar nicht erfunden.
Mit seinem neuen Trio „Die Dreiviertler“ treibt er unbeirrt sein Projekt weiter und „schert“ sich was um irgend einen Trend. Bleibt sich seinen Wurzeln treu, doch immer neugierig um „Altes“ zu verändern, auf der Suche nach dem passenden Gefühl für den nächsten Song.
Nach vielen Jahren des Musizierens durch sämtliche Stilrichtungen, kann es schon passieren, das nach einem „Hendrix“- Cover mit bairischem Text ein Jazzstandart folgt und mit einem „Zwiefachen“ endet.
„Die Dreiviertler“ sind immer für eine Überraschung gut und sorgen für gute Laune. Die drei Münchner Musikanten, kommen aus verschiedenen Stadtvierteln,
spielen gerne dreiviertel und andere „krumme“ Taktarten auf unterschiedlichsten Instrumenten.
Denken auch sonst immer etwas um die Eck ́n, nach dem Motto:
„An jedem Eck a ́Gaudi“.

Die Musik des Berliner Komponisten und Kontrabassisten Jaspar Libuda befindet sich an der Schnittstelle von NEOKLASSIK, FILMMUSIK und SOUNDSCAPES. Sein neues Album DAS BUCH DER TRÄUME erscheint bei CINEMATIC BASS MUSIC. Sein vorletztes Album wurde produziert von KULTURRADIO VOM RBB. Seine Musik wurde im Radio unter anderem im ARD RADIOFESTIVAL und bei DEUTSCHLANDRADIO KULTUR gespielt. Er wurde zu Festivals eingeladen, wie dem PIANEO FESTIVAL, JAZZUNITS FESTIVAL, JAZZ IN DEN MINISTERGÄRTEN, RUDOLSTADT FESTVIAL, SIEBENKLANG FESTIVAL und den MAGDEBURGER SONGTAGEN. Die Printmedien haben über ihn geschrieben, wie der BERLINER TAGESSPIEGEL und die FRANKFURTER ALLGEMEINE ZEITUNG. Jaspar Libuda hat an Filmmusiken für CONSTANTINFILM, RTL+ und den RBB mitgearbeitet.

Jaspar Libudas Kompositionen sind klassische Klanglandschaften, musikalische Geschichten ohne Worte, eine Liebeserklärung an die Melodie und die tiefen Gefühle, die sie hervorzurufen vermag. Eine Verbindung von virtuoser Kontrabasskunst und elektroakustischer Musik. Unter Verwendung eines speziell für ihn gebauten fünfsaitigen Kontrabasses mit hoher C-Saite, Live-Elektronik und Loopstation erschafft Jaspar Libuda vor den Ohren seines Publikums ein ganzes Ensemble. Schichtet Flächen und Rhythmen übereinander. Verwebt Melodien und Stille zu einer dichten Klangwelt, Gleichzeitig melancholisch und voller Lebenslust. Ein Schwebezustand zwischen Stilen und Genres. Ein Grenzgang zwischen zwischen Klassik, Jazz, Rock, Pop und Minimal Music. Mit Klangfarben, die an Cello, Perkussion, Gitarre und Oud erinnern. Fast 100 Kompositionen sind in den letzten Jahren entstanden. In den Kompositionen seines neuen und dritten Soloalbums Das Buch der Träume bringt Jaspar Libuda seine Liebe zu Minimal Music und gregorianischem Choral gleichermaßen zum Ausdruck. Er erschafft Räume, in denen die Zeit sich aus dem Bruchteil eines Momentes in ein Universum klanglicher Möglichkeiten auszudehnen scheint.

"Musik von eindringlicher Schönheit. Kein Ton zuviel, keiner zu wenig. Der Berliner Bassist und Komponist Jaspar Libuda gehört zu den besten seiner Zunft."
Ulf Drechsel, kulturradio vom rbb

"Musik, die ganz eigene, fantastische Filme in unsere Köpfe zaubert."
Marion Brasch, radioeins

"Libudas Stücke entwickeln einen Sog, dem man sich nur schwer entziehen kann."
Olga Hochweis, Deutschlandradio Kultur

"Libuda entwickelt einen Klangsog, der kongenial die Gefühle, den Schmerz und die Liebe, die Idealwelten und Realzwänge begleitet und weiterführt."
Eva-Maria Magel, Frankfurter Allgemeine Zeitung

Das kleine Tanztee-Syndikat ist eine Formation Münchner Musiker aus dem bekannten Ballhaus-Ochester La Rose Rouge,
die in der Besetzung von zwei Violinen, Violoncello, Klavier und Kontrabass die große Variabilität in der Möglichkeit von
unterschiedlichen Programmschwerpunkten schätzen.

"Das kleine Tanztee-Syndikat"
Salonmusik der Jahrhundertwende und Schlager der 20er Jahre

Hier ein kleiner Auszug aus ihrem großen Repertoire:

Frühlingsstimmenwalzer / Wiener Blut / Du und du / An der schönen blauen Donau (Johann Strauß)
Humoreske (Anton Dvorak) / Salut dámour (Edward Elgar) / Csardas (Vittorio Monti)
Liebesleid + Schön Rosmarin (Fritz Kreisler)

Veronika, der Lenz ist da / In einer kleinen Konditorei / Irgendwo auf der Welt / O Donna Clara / Schöner Gigolo / Bel Ami

After You’ve Gone / Ain’t Misbehavin / Ain't She Sweet / Charleston / Dinah / I Can't Give You Anything But Love / I Found A New Baby / My Baby Just Cares For Me/ Yes Sir, That's My Baby

Pressestimmen:
"Nein, feiner kann es auch damals nicht geklungen haben... Die Evergreens klingen so grün wie noch nie und so hervorragend gespielt..." (Münchner Merkur")

"Das kleine Tanztee-Syndikat", das sind keine Nostalgiewellenreiter sondern Musiker, die mit Spielfreude, Witz und Können in den Schlagertopf zwischen zwei Kriegen langen und dabei nicht nur Altbekanntes zutage fördern."
(Abend-Zeitung)

"Reingehen, zurücklehnen, genießen. Leichte Kost der 20er Jahre unterhaltsam aufbereitet und musikalisch perfekt serviert... Was hier so locker abläuft, klingt nur so gut, weil exzellente Musiker am Werke sind, die auch jene Freude am Spiel zeigen, die es dem Publikum leicht macht, Begeisterung zu zeigen."
(Süddeutsche Zeitung)

Berlin leuchtet! Was ist so faszinierend an dieser Zeit, an dieser Musik aus den Goldenen Zwanzigern? Allgemeine Aufbruchsstimmung und Sehnsucht nach Wandel! Die Frauen gaben sich freizügiger, die Männer persiflierten ihre Rollen. Es galt immer wieder, in allen Bereichen die Fesseln zu sprengen, auch in den Bereichen der Kunst.

In der Revue „Alles Liebe, Schall & Rauch“ geht es wie immer natürlich um das Leben und um die Liebe in all ihren Facetten: Gustav von Schönfrieden, ein gut situierter Mann mittleren Alters liebt es nun mal abwechslungsreich. Ist es denn verwerflich eine Frau für´s Leben und eine für die Liebe zu haben? Laut Brecht hat der Mensch doch das Recht auf Glücklichsein! Was aber bedeutet Glück für Frauen? Einen Liebhaber im Bett und einen Lieben als Mann? Einen wilden Hasardeur oder besser einen einfühlsamen Kümmerer? Frieda und Luise, Hure und Ehefrau begegnen am Ende stets denselben Fragen: Zu wem gehöre ich eigentlich? Wo ist nun der Bel ami? Bin ich von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt oder nun doch in der Nacht nicht gern alleine. Nun, so oder so ist das Leben. Irgendwo auf der Welt gibt’s ein kleines bisschen Glück und ich träum davon in jedem Augenblick.

Von Friedrich Holländer bis Kurt Tucholsky. In einer vergnüglich, sinnlich-nostalgischen Revue präsentieren die Sänger und Musiker des Schellack-Ensembles die berühmten Songs, aber auch Poesie aus dem Berlin der zwanziger und dreissiger Jahre.

Text, Idee, Regie, Arr. – Stefan Radtke

Bernd Lhotzky widmet dieses moderierte Konzertprogramm dem legendären Stride Piano Willie "The Lion" Smith.  

Willie „The Lion“ war eine charismatische Persönlichkeit. Sie werden erfahren wie er während des ersten Weltkriegs an der Westfront seinen Spitznamen erwarb, warum er sich vor seinen Auftritten regelmäßig zwei Büchsen Ölsardinen einverleibte, was es mit seinem Pelzmantel auf sich hatte, der so schwer und solide war, dass der Löwe ihn neben das Klavier stellen konnte. Sie werden erfahren weshalb er seinen Hut niemals absetzte, warum am 11. Januar 1950 der Nachtzug aus Limoges mit erheblicher Verspätung in Paris eintraf und warum Willie „The Lion“ Smith niemals für seine Taxifahrten bezahlte.

Bernd Lhotzky (geb. 1970 in Tegernsee) ist ein viel beschäftigter Jazz-Pianist mit breit gefächertem Repertoire. Im Mittelpunkt steht der melodische, swingende Jazz. Lhotzky gilt weltweit als einer der führenden Interpreten des Stride Pianos, jenes virtuosen Klavierstils, den James P. Johnson, Willie “The Lion“ Smith und Thomas “Fats“ Waller in den späten 1920er Jahre aus dem Ragtime entwickelten.  
 
Konzertreisen führten Lhotzky rund um den Globus. Er hatte Gelegenheit mit Dick Hyman, Ralph Sutton, Ray Bryant, Rebecca Kilgore, Duke Heitger, Warren Vaché, Joe Wilder, Harry Allen, Bucky Pizzarelli, Bob Cranshaw, Mickey Roker, Kenny Davern, Randy Sandke, Howard Alden, Scott Hamilton, Jerry Jerome und anderen Größen aufzutreten.  
 
Wichtige Stationen waren das 92nd Street Y (New York), die Münchener Philharmonie, die Elbphilharmonie, die Berliner Philharmonie,  das KKL (Luzern), die Viktoria Hall (Genf), die Salle Cortot (Paris), das Edinburgh Festival, das Klavierfestival Ruhr, das Rheingau Musikfestival, Jazz Baltica, das Elb Jazz Festival, das Kobe Jazz Festival und das Marciac Jazz Festival. 
 
Besonders Lhotzkys Solo-Einspielungen und die Alben seines Quartetts „Echoes Of Swing“ wurden mehrfach ausgezeichnet. Das Londoner Magazin „Piano“ wählte das Solo-Album „Stridewalk“ unter die zwölf besten Klavier-Alben des Jahres 2001. Es folgten der „Preis der Deutschen Schallplattenkritik“, der „Prix de l’Académie du Jazz“ und mehrfach der „Grand Prix du Disque de Jazz“. 
 
2021 produzierte Bernd Lhotzky für das Label ACT das Album „As An Unperfect Actor“ und komponierte hierfür die gesamte Musik. Birgit Minichmayr singt begleitet von Quadro Nuevo ausgewählte Shakespeare Sonette. Dieses Album wurde zum Bestseller und erhielt abermals den Preis der Deutschen Schallplattenkritik.

„Am 29. Oktober 1923 wurde auf der Bühne des New Yorker Broadway-Theaters New Colonial ein Stück Kulturgeschichte geschrieben. Das Comedy-Musical „Runnin´ Wild“ (Musik: James P. Johnson, Text: Cecil Macks) hatte Premiere und präsentierte dem Publikum ein lebensfrohes Tanzmusikstück, das zum tonalen Symbol für eine ganze Ära werden sollte: „The Charleston“. Der 1894 geborene James Price Johnson war ein afroamerikanischer Pianist, der als Erfinder des Stride-Piano-Stils berühmt wurde. Dieser aus dem Ragtime entwickelte frühe Jazz-Stil setzte erhebliche Handgeschicklichkeit und Improvisationsfähigkeit beim gleichzeitigen linkshändigen Bass-und-Harmonie-Intonieren und rechtshändigen Melodie-Spielen voraus.“
(Zitat: https://www.was-war-wann.de/1900/1920/musikjahr_1923.html9

Wir drehen das Rad der Zeit um 100 Jahre zurück und präsentieren im Kulturzentrum Luise in München Sendling vom Fr. den 21.4. bis So den 23.4. drei Konzerte mit Musik aus den „roaring twenties“.

Gleichzeitig feiern wir mit diesem musikalischen Großereignis unser
15-jähriges Bestehen.  ars musica e.V. wurde im Februar 2008 von sieben wackeren Musikliebhabern/Musikliebhaberinnen gegründet und obwohl wir unsere eigene mühevoll aufgebaute Bühne im Januar 2021 verlassen mussten, sind wir weiter an diversen Orten in München mit ausgewählten und hochklassigen Konzerten präsent.

Wir starten am Freitag den 21.4. um 19 Uhr 30 mit einem der bedeutendsten lebenden Pianisten, der den Stride-Piano-Stil bis zur Perfektion beherrscht und in der ganzen Welt konzertiert. Bernd Lhotzky wird ein authentisches Programm des berühmten Willie „The Lion“ Smith spielen und dazu bunte Geschichten aus der Zeit erzählen.

Am Samstag den 22.4. um 19 Uhr 30 setzen wir die Zeitreise mit dem Schellack Ensemble fort. In einer vergnüglich, sinnlich-nostalgischen Revue präsentieren die Sänger und Musiker des Schellack-Ensembles die berühmten Songs aus dem Berlin der zwanziger und dreißiger Jahre: der Zeit von Charleston, Glamour und tiefer Liebessehnsucht.

Am Sonntag den 23.4. um 19 Uhr schließlich lässt das kleine Tanztee-Syndikat die galante Tradition der Salonmusik wieder aufleben. Mit Walzerfolgen, Wiener-Liedern, ungarischer Csardi, Salonpiecen verschiedenster Provenienz und Tanzschlagern der 20er/30er Jahre entsteht so eine Atmosphäre zwischen Kaffeehausmusik und 5-Uhr-Tanztee, stilsicher interpretiert mit Spielwitz, Virtuosität und Freude an der Kultur von Unterhaltungsmusik einer vergangenen Epoche.